Qué gran película

Battle Royale (2000)

2011-11-17T18:52:00.001+01:00

El director japonés Kinji Fukasaku pasará a la historia por "Tora! Tora! Tora!", por sus películas de yakuzas y sobre todo por esta inclasificable cinta, obra de culto desde su estreno, polémica y criticada como pocas y que supuso su penúltimo trabajo antes de su muerte (el último fue precisamente la segunda parte).

El futuro en Japón es desolador: caos, desempleo, violencia, revueltas sociales... La solución, creen sus gobernantes, pasa por una política de represión ejemplarizada en la ley Battle Royale, por la cual cada año un grupo de alumnos seleccionado al azar son aislados en una isla de la que solo uno podrá salir con vida, tienen tres días para matarse los unos a los otros.

Esta controvertida cinta encierra una doble interpretación: por un lado, se trata de un filme violento, bizarro y aparentemente sin sentido, donde la muerte y el gore campan a sus anchas. Pero mirando un poco más allá, podemos encontrar un cínico sentido del humor, una crítica desmedida, ácida y despiadada de la sociedad en su conjunto, y sobre todo una agria visión del sistema educativo ironizando hacia dónde se dirigen las generaciones futuras.

Destacadísimo el trabajo de Takeshi Kitano, glorioso en un papel absolutamente a su medida, y bien secundado por toda una generación de jóvenes actores japoneses. Y por supuesto muchísimas escenas de acción que harán las delicias de los aficionados al género, con mucha sangre y violencia desmedida.

Una cinta apocalíptica de visionado imprescindible, que gustará y repulsará a partes iguales. Una película sorprendente, genial, irreverente... una auténtica obra maestra del cine contemporáneo, un espéctaculo visual que además debería obligarnos a pensar.

Rab Ne Bana Di Jodi (2008)

2011-11-16T19:25:00.006+01:00

Regreso a Bollywood con uno de los grandes éxitos en la India durante el año 2008 (el año de "Dostana", "Fashion" o "Jodhaa Akbar" entre otras grandes peliculas), una cinta que reúne todas las características que definen ese cine tan genuinamente indio, ganadora de dos premios Filmfare y varias nominaciones, y dirigida por Aditya Chopra, conocido en ese mundillo sobre todo por su faceta de productor.

Surinder es un joven brillante pero muy tímido y que apenas sabe relacionarse con las mujeres. Por las circunstancias y sin casi proponérselo se encuentra casado por conveniencia con Taani, la hija de uno de sus profesores, y aunque él la ama profundamente, ella no parece corresponder ese amor.

Cine Bollywood en estado puro, a saber: Una historia de amor bonita, sencilla y predecible, pero con los giros argumentales suficientes para mantener la atención constante del espectador. Comedia y drama a partes desiguales. Coloridos y alegres números musicales, muy bien coreografiados. Y por supuesto, un final a la altura y adecuado para el temple de la película. Puro cine de entretenimiento para pasar más de dos horas y media agradables y divertidas.

El centro de toda la película es Shah Rukh Khan ("Om Shanti Om"), tan encantador y carismático como siempre, capaz de interpretar a dos personajes diametralmente opuestos y aún así conseguir que el espectador adore a ambos. Su partener esta vez es una debutante, Anushka Sharma, otra de esas bellezas indias, quizá no deslumbrante, pero sí con el talento suficiente para que la química con SRK funcione y encandile al espectador.

Otra película de un cine enfocado al espectador, alegre, colorida, simpática y agradable, adjetivos tan necesarios en momentos difíciles como los que atraviesa el mundo, un cine para aislarse de problemas y disfrutar de un ratito de felicidad.

Hard boiled (1992)

2011-11-07T16:31:00.002+01:00

Hace unos días unos amigos me preguntaban de dónde venía mi afición por el cine asiático, y más concretamente por el cine de acción. Mi respuesta era muy sencilla: echad un vistazo a "The killer" y "Hard boiled", de John Woo, y ya nada volverá a ser lo mismo. Y no me faltaba razón, porque estaba hablando sin dudarlo de dos de las mejores cintas del género, no ya honkonesas, sino de todos los tiempos.

Tequila es aficionado al jazz, pero también un duro policía de las calles de un Hong Kong convulso y a punto de estallar. La violencia es su única ley y está dispuesto a todo a la hora de enfrentarse a una peligrosísima banda mafiosa.

Obra cumbre del cine policíaco, John Woo demuestra su pericia (o más bien maestría) para convertir la violencia en poesía, dirigiendo coreografías imposibles y de paso trasmitir con fuerza un mensaje que es común a toda su filmografía: el valor del honor y la amistad. Más allá de la historia que nos cuenta, la combinación de sensaciones que trasmite y la elegancia de la puesta en escena convierten a la cinta en obra de culto que mejora con cada nuevo visionado.

Mención aparte al reparto, con dos pesos pesados como Chow Yun-Fat y Tony Leung, cuya presencia y carisma engrandecen cada secuencia en la que aparecen. Y mención especial a dos escenas: la de apertura en el restaurante y la del hospital, ambas absolutamente magistrales, con un manejo del ritmo y de la cámara solo al alcance de los elegidos, de esas que dejan absolutamente sin aliento. Con todo lo mencionado es evidente el por qué la película se ha convertido en todo un icono y por qué John Woo es absolutamente idolatrado por los fanáticos del género.

Volviendo al principio del post, ¿que por qué me gusta el cine de acción hongkonés? Por Dios, ved esta película y no me preguntéis, John Woo os responderá.

Blade runner (1982)

2011-11-06T20:24:00.002+01:00

Hace unos días, de repente me encontré con ganas de volver a ver esta película, uno de los mejores trabajos de Ridley Scott (el responsable de muchas otras grandes películas como "Alien, el octavo pasajero" o "Gladiator", por citar mis favoritas) y, aunque en mi opinión sobrevalorada en algunos aspectos, obra clave de la ciencia-ficción, imitada hasta la saciedad y auténtica cinta de culto.

Los replicantes son robots idénticos externamente a los humanos, diseñados para llevar a cabo los más duros trabajos en el espacio, pero ahora son perseguidos para su eliminación, y para ello existen unidades especiales de la policía, los llamados "blade runners".

Una cinta que marcó un antes y un después en el género de ciencia ficción (aunque la película en sí es una hábil combinación del género con el cine negro), con una estética única (aunque lejanamente inspirada en otra obra maestra, la "Metrópolis" de Fritz Lang), decadente, oscura, inquietante, agobiante, claustrofóbica y que ha sido inspiración para muchas películas posteriores.

Fundamental en la ambientación la música (obra de Vangelis), que va como anillo al dedo a cada imagen, y los personajes, donde destaca sobre todo un Rutger Hauer en su mejor papel, con un famoso monólogo que no solo es el momento culmen del film, sino una escena clave de toda la historia del cine.

Nadie que guste de la ciencia-ficción puede dejar de ver esta película (¿quedará alguien que no la haya visto?). Magnética, intensa, hipnótica, sublime e irrepetible. Para mí una auténtica obra maestra.

Coldfish (2010)

2011-11-03T18:17:00.002+01:00

Ya hablé en cierta ocasión del director japonés Sion Sono, con la excepcional e inclasificable "Love exposure". Y después de semejante obra maestra, era casi inevitable que siguiera trayendo al blog alguna de sus películas (ya lo hice con "Be sure to share"), en esta ocasión un thriller sorprendente que no hace sino confirmar el talento de este creador.

Shamoto es un hombre gris y apacible, dueño de una tienda de peces tropicales, que vive con su esposa (es viudo, casado con ella en segundas nupcias) y su hija adolescente, quien odia a su madrastra. Pero todo cambiará en sus vidas tras conocer a Murata, un peculiar y carismático personaje que también regenta una tienda de peces.

Una película brutal en casi todos los sentidos, plagada de excesos y aberraciones, bizarra, incómoda y con un sentido del humor negro, negrísimo, hasta el punto que más de uno se horrorizará viendo algunas de sus escenas. Y sin embargo la película cautiva, engancha al espectador durante dos horas y media, mientras asiste con asombro a la trasformación de unos personajes empujados al horror y que nadie sabe en dónde van a acabar.

Excelentes me han parecido la composición de la historia, calculada al milímetro y que va haciéndose cada vez más intensa conforme nos acercamos al final, y la construcción de los personajes, cuyos exagerados rasgos no buscan sino meter el dedo en la llaga para una feroz crítica social. Con lo dicho, queda claro que es una película de fuertes sensaciones y no apta para todos los paladares (y estómagos).

Genial, irreverente, desafiante, polémico y sin concesiones. Así puedo definir el cine de Sion Sono, un director muy a tener en cuenta por películas como esta, que gustarán, horrorizarán, aturdirán o lo que sea, pero jamás van a dejar al espectador indiferente. Cualquier reacción es posible ante obras de esta categoría.

Kidnapper (2010)

2011-10-17T20:47:00.003+02:00

Por primera vez voy a acercar mi blog a Singapur, un país con aún poca proyección en el mundo cinematográfico pero en el que también podemos encontrar cosas interesantes y bien realizadas como esta "Kidnapper", del director Kelvin Tong.

El hijo de un humilde taxista es sucuestrado al ser confundido con el vástago de un multimillonario. Pero lejos de echarse atrás en su plan, el secuestrador exige un alto rescate al padre, que deberá reunir una considerable suma de dinero en tiempo récord para salvar la vida de su hijo.

Cinta de acción que , aunque dentro de lo convencional del género, destaca por una notable factura y sobre todo por mantener una atmósfera angustiosa de principio a fin. Intensidad de alto voltaje durante todo el metraje con continuos giros del guión que busca mantener la sorpresa y el nerviosismo en un espectador que no merece descanso.

Correctas interpretaciones (la protagoniza un tal Christopher Lee que no es el famoso intérprete de Drácula) para una película que da lo que promete: mucha emoción y acción a raudales para enfrentarnos a un villano despiadado y sin escrúpulos. Por lo demás, nada destacable, solo entretenimiento puro y duro.

Concluyendo, un thriller para pasarlo bien durante hora y media y empezar a descubrir un cine que promete, con directores de ya cierto prestigio como Royston Tan y Eric Khoo, de los que ya hablaré en algún momento.

El sabor de las cerezas (1997)

2011-05-30T19:18:00.003+02:00

Hacía ya tiempo que tenía ganas de ver algo de Abbas Kiarostami ("A través de los olivos", "El viento nos llevará", "Copia certificada"), más que nada por la curiosidad que sentía de conocer algo del cine de oriente medio (de escasa difusión internacional pero habitualmente bien tratado en los festivales), y nada mejor que empezar con una de las obras magnas del director iraní más reconocido, una película con la que ganó la Palma de oro en Cannes.

Un hombre viaja en su todoterreno por las calles de Teherán un día festivo, buscando desesperadamente a alguien dispuesto a hacer para él un pequeño trabajo a cambio de una cuantiosa suma de dinero. Así va entablando contacto con gente de lo más variopinto hasta que encuentra a un anciano taxidermista que accede a su encargo.

Esta obra, que según tengo entendido aún hoy está prohibida en Irán -esto tengo que comprobarlo-, es probablemente una de las cintas más poéticas que he visto en mucho tiempo. La trama en sí no tiene aparentemente al principio nada de particular, pero segun vamos ahondando en las intenciones del protagonista, vamos entrando en temas realmente espinosos como la religión, la vida, la muerte o el suicidio y alcanza el clímax ya en su tramo final, cuando conoce a un hombre que le cuenta su historia, llena de vitalidad y esperanza (para mí, uno de los grandes momentos del cine, una metáfora sobre la vida que alcanza súbitamente al corazón).

Más allá de esto, resulta curioso que Kiarostami ha sido capaz de mantener el pulso narrativo con una historia que trascurre casi en su totalidad dentro de un coche (y no, no es ninguna road-movie), si bien en algunos momentos adolece de una cierta parsimonia que no será del agrado de todo el mundo.

Concluyendo, una metáfora vitalista, un poema trágico con tintes sociales que incluye un mensaje esperanzador de fondo y que merece la pena ver aunque sea tan solo por esa escena sobresaliente, ese momento mágico en el que averiguamos el significado del sabor de las cerezas.

Cisne negro (2010)

2011-02-24T20:26:00.005+01:00

Mi larga ausencia de este blog -las causas son justificadas- ha llegado a su fin, y he decidido volver con una de las películas más impactantes que he visto en mucho tiempo, y encima la he podido disfrutar en pantalla grande y muy bien acompañado.

Una joven bailarina de ballet que trabaja para una compañía neoyorkina tiene la gran oportunidad de su vida cuando es la elegida para sustituir a la primera bailarina y protagonizar "El baile de los cisnes". Pero su gran desafío es interpretar dos personajes antagónicos: el cisne blanco y el cisne negro.

Decir que la cinta es dirigida por Darren Aronofsky ("Pi: Fe en el caos") ya dice muchísimo. Decir que me ha producido ciertas reminiscencias a la obra maestra del recientemente fallecido Satoshi Kon ("Perfect blue") dice aún más a su favor. Y si además digo que estamos probablemente ante la mejor actuación de Natalie Portman en toda su carrera, entonces ya no hay duda que estamos ante una obra sobresaliente en muchísimos aspectos.

La sensación que me ha producido esta cinta es que es una película muy, muy oscura. Muy oscura en el aspecto psicológico, con un viaje a las profundidades de la trasformación de la mente enfermiza -puede que hasta esquizofrénica-, obsesiva y cada vez más confundida entre sueño y realidad de su protagonista, una memorable N. Portman que borda su papel, además muy bien secundada. El brillante Aronofsky crea una película espléndida, impactante, compleja y con una puesta en escena que deslumbra, incluso para los que no sabemos apreciar la danza.

Una genialidad barroca, agobiante, perturbadora y que golpea profundamente al espectador. Repleta de unos excesos que la hacen más recomendable para aquellos con un alma un poco más cercana al cisne "negro" que al "blanco", estamos ante una obra tan caótica y destructiva como bella y sensual.

Be sure to share (2009)

2010-11-13T23:33:00.002+01:00

Lo primero que me atrajo hacia esta película fue quién la firma. Se trata de Sion Sono, aquel director que me maravilló con la estrambótica, irreverente e inclasificable "Love exposure" y, aunque he de reconocer que ni mucho menos me esperaba una película como ésta después de algo como aquélla, en mi opinión el resultado sigue siendo más que digno de elogio.

Un joven a punto de casarse ha tenido una difícil relación con su exigente y estricto padre, también su profesor y entrenador de fútbol. Pero cuando éste está cerca de su muerte a causa de un cáncer, decide acercarse a él y recuperar el tiempo perdido.

Estamos ante una película sorprendente por varias razones. La primera, que no parece de su director a tenor de lo visto en su anterior trabajo y lo que he leído sobre el resto de su filmografía. Y la segunda, por la enorme facilidad y elegancia con la que afronta un tema realmente complicado y delicado como puede ser el cáncer y salir más que airoso, algo al alcance de pocos. Sencillez y naturalidad para trasladar el drama al espectador de forma directa y sin caer en ñoñerías ni excesos de sentimentalismo, algo que hubiera lastrado terriblemente al film.

Una historia contada con corrección, con momentos emotivos, bellos y poéticos y capaz de convertir escenas casi surrealistas -esa escena casi al final en que el protagonista se despide de su padre, pero que no quiero contar- y convertirla en algo entrañable y capaz de conectar emocionalmente con el espectador.

Una cinta con un toque nostálgico y que nos recuerda la importancia de los pequeños momentos y de compartirlos con los seres que más queremos. Sencillamente preciosa.

Three seasons (1999)

2010-09-26T20:08:00.002+02:00

Lástima que algunos directores de inicios prometedores no tengan la continuidad necesaria para saber si fue casualidad o verdadero talento. Digo esto pensando en Tony Bui, director vietnamita-norteamericano, que no ha vuelto a dirigir desde una soberbia película titulada "Tres estaciones", cinta con la que triunfó en el festival de Sundance y varios otros.

Una deprimida ciudad vietnamita. Un anciano que vive del comercio de la flor de loto y una de sus trabajadoras. Un crío que sobrevive en las calles vendiendo baratijas y un norteamericano en busca de su hija. Un conductor de ciclotaxis enamorado de una prostituta.

Una película que yo definiría como hermosa. Y lo es por muchas razones. Lo es estéticamente, pero también lo es por la humanidad de las historias que cuenta, que se entrecruzan y que nos muestran unos personajes sinceros, vivos y que nos muestran a pesar de la dificultad de sus vidas un camino de esperanza, de solidaridad y de valentía para afrontar las adversidades.

La fotografía es sencillamente maravillosa, cada imagen nos habla y concede vida a una ciudad que es un personaje más de la historia. Una historia relatada con exquisitas sencillez y sensibilidad, ofreciéndonos imágenes de intensa belleza y sensualidad. Silencios que dicen tanto como los diálogos, ofreciéndonos esa pausa tan necesaria en medio de la locura del mundo actual.

Cine con mayúsculas, una maravilla visual, llena de belleza, de honestidad, de amor y amistad, tan dulce como impactante y que para mí ya es una de mis películas imprescindibles.

Om Shanti Om (2007)

2010-09-07T18:05:00.002+02:00

Desde que descubrí el cine hindú con "Krishh", ya no he sido capaz de abandonarlo, más bien cada vez soy más adicto a él. Y más todavía cuando veo películas como esta, un auténtico exitazo de taquilla y crítica que responde a eso llamado "cine dentro del cine", de modo que esta película es tanto una radiografía de la industria cinematogáfica como un auténtico homenaje a Bollywood y sobre todo a su "star-system".

Om es un figurante de cine con aspiraciones a convertirse en una superestrella de la gran pantalla. Él está locamente enamorado de una famosa actriz, a la que tiene la fortuna de conocer casualmente y además compartir rodaje con ella en la que debe ser la mayor superproducción del cine hindú, la fastuosa "Om Shanti Om".

Superproducción al más puro estilo Bollywood, de la mano de la directora Farah Kahn, -una de las coreografistas más importantes de aquel cine, cosa que se nota- y con un reparto encabezado por una de las grandes figuras locales, Shah Rukh Khan -capaz de llenar la pantalla con su carisma- muy bien acompañado por una impactante debutante, Deepika Padukone -Dios, pero qué guapas son estas actrices indias-. Por si esto fuera poco, por la pantalla desfilan un impresionante número de grandes estrellas de este cine, algunos parodiándose a sí mismos, y ofreciéndonos uno de esos inevitables números musicales.

Alegre, colorista y divertida, aunque con momentos para la tristeza y el drama e incluso un toque sobrenatural. Dos partes bien diferenciadas, con una segunda muy por encima de la primera y que alcanza el clímax en un tramo final verdaderamente fantástico con un número musical de casi diez minutos que es sencillamente memorable en todos los aspectos.

Una puesta en escena soberbia para un film enfocado al puro entretenimiento y que no es sino un auténtico homenaje a ese cine, casi tres horas que se pasan volando y que dejan con ganas de seguir probando un poco más.

14 blades (2010)

2010-08-28T00:39:00.000+02:00

Después de "Three Kingdoms: Resurrection of the dragon", parece que daniel Lee le ha cogido gusto a esto del wuxía y ahora llega con otra cinta en la misma línea, aunque con un nivel ligeramente inferior ésta. Se trata de "14 blades", adaptación de una producción de los 80's de la Shaw Brothers.

El emperador tiene para su protección el cuerpo militar más poderoso que existe, un grupo de soldados reclutados de las calles y entrenados desde niños en el asesinato con el único fin de protegerlo. Para su misión disponen de 14 espadas, cada una con una función bien determinada, incluída una última para que cometan el suicidio si fracasasen en su misión.

Una cinta donde las escenas de acción son el centro absoluto de la pantalla. Aunque poco más se puede destacar de la película, estas escenas son tantas y tan bien rodadas que merecen por sí solas el visionado de la película. Como no, de la mano de un especialista de las artes marciales como es Donnie Yen, cada vez más leyenda en el cine asiático. A su sombra, otra leyenda como es Sammo Hung, y esa belleza que es Zhao Wei, aunque desgraciadamente en un papel que no le pide tanto como ella sería capaz de ofrecer.

Lo que yo personalmente hecho de menos en esta cinta es un mejor fondo dramático. Más allá de las escenas de acción encontramos muy poco más, lo cual es una lástima porque esta película tenía mimbres para ser mucho más interesante. Una historia mejor trenzada sobre unos personajes con más profundidad hubieran convertido a esta película en algo mucho más brillante y cuyo recuerdo trascendería más lejos que de su simple visionado.

En cualquier caso, entretenimiento asegurado para los amantes del cine de artes marciales, con un Donnie Yen en plena forma demostrando que el cine de artes marciales están más en boga que nunca.

Inception (2010)

2010-08-26T21:19:00.002+02:00

Aunque soy reticente a traer al blog películas comerciales, sobre todo esas grandes producciones norteamericanas predestinadas a taquillazos en todo el mundo, con esta voy a hacer una excepción. Y es que se trata del último trabajo de Christopher Nolan ("Following", "Memento", "The dark knight"...), para mí uno de los directores más brillantes del cine americano actual.

La posibilidad de introducirse en los sueños de los demás para robar del subconsciente cualquier secreto es posible, a ello se dedica el Sr. Cobb. Pero... ¿qué puede pasar si damos la vuelta a la idea y nos proponemos justo lo contrario, introducir una nueva idea en la mente de alguien sin que sea capaz siquiera de sospechar que sus sueños ha sido manipulados?

Una de las cintas más originales con las que me he encontrado últimamente. Inteligente, imaginativa y muy intrincada, pero llevada a la pantalla con tanta elegancia que no resulta en absoluto confusa, aunque es cierto que obliga a estar absolutamente pendiente desde el primer momento para no perdernos. Así trascurren dos horas y media sin que apenas nos demos cuenta, gracias a una historia tan absorbente como espectacular.

Amén de unos excelentes efectos especiales, totalmente al servicio de la historia -como tiene que ser-, el reparto es su otro punto fuerte. Un DiCaprio cada vez más fortalecido como actor, rodeado de un elenco a su altura, varios de los cuales ya había trabajado para Nolan (concretamente Ken Watanabe, Michael Caine y Cillian Murphy). Todos excelentes, dotan a sus personajes de la profundidad necesaria para dar sentido a una historia tan surrealista.

Una cinta predestinada a convertirse, como alguna otra de Nolan, en un clásico del cine. Calidad y entretenimiento no tienen porque estar reñidos, pero para ello hacen falta imaginación, talento y algún otro ingrediente. Por suerte Nolan los reúne todos, tanto buen cine en su carrera no puede ser fruto solo de la casualidad.

True legend (2010)

2010-08-23T16:08:00.002+02:00

Un wuxia a la antigua usanza, que supone el regreso a la dirección de todo un todoterreno en el cine de artes marciales (también actor, coreógrafo, especialista, guionista y creo que casi cualquier cosa) Yuen Woo-ping ("Last hero in China", "In the line of duty IV").

Un importante general del ejército chino decide abandonar la vida miliciana para dedicarse a su familia. Pero la ambición y ansia de venganza de su hermanastro lo condenan a la destrucción personal y casi la muerte.

Una película extraña en cuanto a su estructura, con varias partes no ya claramente diferenciadas, sino que casi parecen historias diferentes. Lo mejor sin duda las dos primeras partes, una larga introducción seguido de una historia de venganzas. El tramo final se aparta claramente de éstas, rebajando considerablemente el nivel cinematográfico (que no en cuanto a espectáculo) de la cinta. Conjuntamente se acoplan perfectamente al esquema clásico del biopic (ascenso a la gloria, descenso a los infiernos y finalmente la redención personal del protagonista).

Destacables dos cosas. Primero unas escenas de lucha al estilo de las películas clásicas de kung-fu, con las que todo aficionado lo pasará pipa. Segundo, un reparto de lujo, tanto para oriente (Chiu Man Cheuk, Xun Zhou, Jay Chou) como para occidente (Michelle Yeoh y David Carradine, éste en su último papel).

En conclusión, una película un tanto irregular en cuanto a su desarrollo, con un desenlace más bien pobre para el nivel exhibido en la primera hora de película, pero decididamente entretenida y espectacular, imprescindible para los fans del género.

Ip man 2 (2010)

2010-08-21T20:27:00.003+02:00

Mis disculpas a mis lectores por el abandono a que he tenido sometido el blog. Retomado, creo que a partir de ahora voy a poder actualizarlo con regularidad, superados algún problema que me obligó a dejarlo en último plano. Regreso con la segunda parte de esa cinta que tanto me gustó sobre el maestro de Bruce Lee, "Ip man".

El maestro se traslada a Hong Kong para comenzar una nueva vida y pretende aquí montar una escuela de artes marciales. Pero los comienzos no son nada fáciles, encontrándose con la oposición del resto de maestros de la ciudad, a los que debe ganarse para poder montar su escuela.

Dicen que segundas partes nunca fueron buenas, pero en este caso deberíamos parafrasear como "nunca fueron tan buenas", pues es cierto que no me parece una película de tan alto nivel como la primera parte. Aún así debo catalogarla como una película excelente, donde destacan sobremanera unas magníficas coreografías de acción, donde se nota la mano de todo un experto como Wilson Yip ("Bullets over summer", "Flash point"...)

Al trabajo de Donnie Yen, sin duda uno de los más grandes de las artes marciales en el cine actual -poco conocido para occidente, lo cual no se si es bueno o malo, ya que cuantos como él se han perdido en el cine americano- se suma otra megaestrella como es Sammo Hung, otro de los grandes del cine hongkonés -mejor diría leyenda-, en un papel sencillamente memorable.

Sin duda un imprescindible para los aficionados al género, con el plus de varias escenas de lucha para la historia, sobre todo ese tramo final verdaderamente apoteósico. Y una pequeña sorpresa final.

Krrish (2006)

2010-06-20T20:26:00.002+02:00

Hace ya algún tiempo que tenía curiosidad por ver algo de Bollywood, no en vano India es la mayor productora de cine mundial. Afortunadamente cayó en mis manos esta cinta y tuve la oportunidad de acercarme a este cine -sobre el que, debo reconocerlo, tenía tantas reservas como curiosidad. Ahora ya no me queda más remedio que seguir indagando en él.

Un joven vive en un apartado pueblo en las montañas junto a su abuela, única familia que le queda tras la trágica muerte de sus padres. Pero la aparición de una preciosa mujer de la que se enamora irremediablemente le hará plantearse abandonar esta vida aislada de la modernidad.

Una película de superhéroes cuya larga duración (algo más de tres horas) le permiten tocar, aunque sea por encima, un montón de géneros. Desde la comedia a la acción, del drama al cine romántico, lo cierto es que la cinta es una mezcla de todo un poco, con clarísimas influencias del cine más taquillero occidental, y enfocado claramente al entretenimiento. Esto es precisamente lo bueno de la cinta: por mucho que sea criticable su calidad, lo cierto es que el espectador la disfruta sin un momento para el aburrimiento.

Un guión originalísimo, con momentos absolutamente surrealistas, aunque ciertamente predecible en muchos momentos -ojo, en otros ni por asomo-, una más que correcta factura técnica, unos números musicales marca de la casa que son absolutamente sorprendentes y que no aburren ni aunque, como en mi caso, no guste el cine musical, y la belleza de Priyanka Chopra son sus puntos fuertes.

Un cine nuevo para mí pero al que a partir de ahora tendré muy en cuenta. Un cine entretenido, colorista, muy visual y lleno de vitalidad. Me encanta.

Invitation only (2009)

2010-06-13T20:13:00.002+02:00

Uno de los géneros con los que me inicié en mi afición por el cine asiático fue el de terror, así que hoy he decidido traer esta producción, muy reciente, de un país que no se prodiga precisamente en el género, Taiwán, de la mano del debutante Kevin Ko.

Varios jóvenes reciben de forma casual una invitación para asistir a una fiesta exclusiva para gente del más alto status social. Aunque la fiesta comienza como algo fabuloso para ellos, rápidamente el sueño tornará en una pesadilla que nunca habrían imaginado.

Una curiosa cinta de terror, de un país nada pródigo en el género, y que resulta radicalmente diferente al cine de terror que habitualmente llega de Asia. Más cercano al cine occidental, con una fotografía y una estética que por momentos recuerdan a un videoclip, y un desarrollo que recuerda de forma inevitable a cintas como Saw y, sobre todo, Hostel.

Lo más destacable de la cinta, para los aficionados al gore, son multitud de escenas truculentas y cargadas de sangre, absolutamente explícitas. Ritmo ágil ya desde el principio, lo otro que destacaría es la fugaz aparición de una megaestrella del porno japonés, la bellísima María Ozawa, empeñada en triunfar en el cine convencional.

Una cinta entretenida, que será sobre todo del agrado de los fans del cine de terror más sangriento, pero que conviene ver sin ningún tipo de expectativa, porque sus virtudes se limitan al tipicismo de este subgénero (o sea, tetas y sangre).

Celda 211 (2009)

2010-06-07T20:53:00.004+02:00

Después de un montón de tiempo apartado del blog y con la esperanza de darle la continuidad que merece, regreso con una cinta española. Aunque el español no es mi cine predilecto, de vez en cuando -y sobre todo cuando me la aconsejan decenas de personas- me permito ver alguna producción nacional, y esta a todas luces ha merecido la pena.

Un funcionario de prisiones acude por primera vez a su nuevo centro de trabajo para una primera toma de contacto. Desgraciadamente, surge una revuelta, encabezada por un preso al que apodan "Malamadre", en la que se verá inmerso mucho más de lo que él hubiera deseado.

Impresionante thriller carcelario, para mí de lo mejorcito de este subgénero en mucho tiempo, capaz de mantener en tensión al espectador prácticamente desde el principio y en el que las cosas no discurren exactamente por los derroteros que uno podría pensar, lo cual contribuye a hacer muchísimo más interesante y agobiante la historia. A pesar de que el guión busca descaradamente impactar al espectador con golpes bastante efectistas, lo cierto es que consigue atraparnos en una historia tensa, cruda y claustrofóbica.

Mención aparte merecen los actores, sobre todo un memorable Luis Tosar, cuyo inmenso personaje pasa por encima de todos los demás y se convierte en el centro absoluto de la trama, por encima incluso del teórico protagonista, a base de un registro seco, duro, directo y absolutamente carismático.

Sin duda una película que no deja indiferente, un ejemplo de lo que debe ser el cine español para salir de la mediocridad -con notables excepciones, seamos justos- en la que está inmerso, una cinta de calidad que merece la pena no dejar de ver.

Vital (2004)

2010-04-12T20:49:00.002+02:00

Uno de los directores más interesantes del panorama japonés moderno es sin duda Shinya Tsukamoto, director inclasificable proveniente del mundo del corto y la publicidad y responsable de títulos como "Tetsuo", "A snake of june" o "Bullet ballet", por citar algunas de sus películas más conocidas.

Un joven sufre un grave accidente de tráfico en el que pierde completamente la memoria. Tras salir del hospital, decide comenzar la carrera de medicina, iniciando una obsesión con el cadaver de sus prácticas de anatomía. Poco a poco irá recuperando parte de su memoria perdida, lo que irá acercando de nuevo al amor.

Una película realmente impactante, con una propuesta arriesgada y muy alejada de cualquier historia convencional. Una historia tan extravagante como atrayente y cautivadora -probablemente a causa en gran parte, precisamente, de esa extravagancia-, en la que puedo destacar muchas cosas, pero sobre todo es una película tremendamente visual, con escenas más que explícitas, algunas de enorme belleza y otras que pueden no ser del gusto de muchos.

También destacadísimo el trabajo actoral, con un fantástico Tadanobu Asano -¿Recuerdan "Picnic"?-, uno de los actores asiáticos más interesantes de la actualidad, muy bien acompañado por dos actrices para mí desconocidas pero que llenan la pantalla de belleza y de fuerza dramática cada vez que aparecen.

Una película perfecta para iniciarse en el mundo de este director, una apuesta arriesgada para construir una especie de metáfora sobre el amor eterno.

Candilejas (1952)

2010-03-23T21:20:00.002+01:00

Aunque normalmente me he ocupado de cine reciente en este blog, de vez en cuando merece la pena volver la vista atrás y ocuparse de clásicos absolutamente imprescindibles como esta "Candilejas", la que es en mi opinión obra maestra absoluta de ese genio del cine que fué Charles Chaplin.

Un cómico en el ocaso de su carrera acoge a una joven desesperada a la que salva del suicidio. Tiempo después la joven triunfa como bailarina, al mismo tiempo que la carrera del humorista se apaga y el amor que ambos sienten no pueda ser reconocido por las diferencias entre ellos.

Una película compleja en cuanto a su realización (invito a que después de verla investiguen un poco sobre ella) y con claros, clarísimos tintes autobiográficos de Chaplin. Muchísimo que destacar en la película, desde su guión, con una mezcla perfecta entre comedia y drama para mostrarnos una preciosa historia de amor, pasando por la simbología sobre el cine y la vida de su autor, hasta una cuidada fotografía en blanco y negro que da un toque aún más nostálgico a la película.

Mención aparte para la banda sonora, tan conmovedora como inolvidable, y uno de esos momentos mágicos del cine, cuando podemos ver juntos a dos monstruos del séptimo arte como son Buster Keaton y el propio Chaplin, en una prodigiosa alegoría sobre el fin del cine mudo y la transición al sonoro, sobre la madurez, sobre el relevo generacional y sobre quién sabe cuántas cosa más.

Perfecta desde cualquier punto de vista, obra maestra que solo puede verse desde la reflexión y el sobrecogimiento, una de esas películas sin cuyo visionado no puede entenderse la esencia del cine.

Castaway on the moon (2009)

2010-03-11T20:56:00.001+01:00

Los que hayan venido por Badajoz y han cruzado el Puente Real, habrán visto una pequeña isla fluvial en mitad del río Guadiana sobre la que se apoyan pilares del puente. ¿Os podéis imaginar un naúfrago en una isla como ésta? Pues esto es ni más ni menos el original planteamiento de esta película del director Hae-jun Lee.

Un empresario en quiebra decide suicidarse arrojándose desde un puente, pero en vez de morir acaba en una pequeña isla en mitad del río Han. Atrapado en la isla, debe sobrevivir como un naúfrago, con la única compañía de los mensajes que le envía en botellas una joven llena de fobias que es la única persona que sabe de su paradero.

Un planteamiento absolutamente increíble, para mí absolutamente genial. Originalísima y creo que muy bien trasladada a la pantalla, donde el espectador se siente absolutamente implicado en la vida de sus dos protagonistas. Precisamente es la rareza -y a la vez, humanidad- de estos personajes, muy bien interpretados por sus actores, lo que más hondo cala en el corazón del espectador, que asiste al desarrollo entre ellos de una relación tan atípica como entrañable.

Tan habitual en el cine coreano, la transición entre géneros es radical pero de forma tan suave que parece totalmente natural. Del tono cómico del comienzo pasamos a momentos de auténtico drama, pero siempre con un mensaje de esperanza de fondo, mostrándonos una historia de gran belleza sobre las relaciones entre las personas y la inadaptación a la sociedad moderna de tanta gente.

Una película brillantísima, que llega a emocionar profundamente y que para mí es una de las cintas más geniales que he visto recientemente; fresca, imaginativa y llena de mensajes.

Love exposure (2008)

2010-03-01T19:10:00.002+01:00

Sorprendente película del director Shion Sono -atentos también a otros trabajos suyos como "Suicide Club"-. Esta cinta doblemente premiada en Berlín no deja indiferente a nadie y deja claro el sello de un director inclasificable e innovador.

Una mujer joven gravemente enferma entrega a su hijo una figura de la virgen, pidiéndole que encuentre a "su María" -o sea, a la mujer de su vida-. Poco después de su muerte, el padre del crío decide convertirse en cura católico.

Estamos ante una película arrolladora ya desde el comienzo, con un guión tan genial como irreverente, provocador y surrealista. Una especie de fábula moderna cuyo centro es una historia de amor -tremendamente retorcida, eso sí, pero una historia de amor al fin y al cabo- y que se atreve con temas tan dispares como la religión, el sexo, la homosexualidad, las perversiones, la vida de los jóvenes modernos y un largo etcétera. Y es que en cuatro horas de metraje hay tiempo para casi todo, cuatro horas que trascurren de forma tan fluida que consiguen que la vitalidad de la película no decaiga ni un instante.

Aunque de fondo dramático, hay sitio para muchos otros géneros, con momentos para la comedia, la acción e incluso ese gore tan típicamente japonés. Y todo ello perfectamente equilibrado y consiguiendo no salirse de esa fina línea que podría convertir una película como esta en todo un esperpento. Yo además me quedo con el fantástico trabajo de sus dos actrices jóvenes, en especial Hiraki Mitsushima, a la que pudimos ver en "Death note".

Una película única, que consigue enganchar y hacer que sus cuatro horas pasen como un suspiro, una cinta radical, original y sorprendente, a medio camino entre la genialidad y la locura. Una obra maestra.

More than blue (2009)

2010-02-26T21:17:00.002+01:00

Hace ya algún tiempo que no me acerco al cine coreano, y creo que un buen motivo para volver a él es la ópera prima del director Tae-yeon Won, un drama romántico en la línea del mejor cine coreano moderno, en un género donde el debutante director ya tiene experiencia, no en vano intervino en el guión de "Il mare", otro drama romántico que ya traje al blog.

Un joven vive enamorado perdidamente de una chica con la que comparte una gran amistad pero nada más. Sin embargo, aquejado de una enfermedad terminal, decide renunciar a su amor por ella e intenta encontrarla al hombre adecuado antes de su muerte.

Drama con mayúsculas, un género en el que se desenvuelven muy bien los directores coreanos, con multitud de producciones de gran calidad en los últimos años (Me vienen a la memoria ahora algunas como "Sad movie" o "A moment to remember"). Sin embargo, este es uno de los más sobresalientes, por su historia y sobre todo por el manejo que hace de ella. Tras un comienzo singular que evoca a la historia principal en forma de flashback, se nos van introduciendo las situaciones y personajes lentamente para desembocar con un genial giro argumental en un tramo final arrollador y que poco menos que destroza los sentimientos del espectador.

Buenos actores principales, capaces de generar la química adecuada durante toda la cinta, secundarios realmente interesantes -algunos diría que memorables, aunque probablemente no tengan en la historia todo el peso que merecen- y una factura técnica muy correcta sobre todo en cuanto a la banda sonora, que es realmente maravillosa, son otros de sus puntos fuertes.

Aunque he leído varias críticas que la acusan de ser una cinta manipuladora, creo que será realmente interesante sobre todo para los amantes del drama romántico y que disfrutarán -o sufrirán, más correctamente- durante toda la película, con una última media hora que no olvidarán fácilamente. No se la pierdan.

Bullets over summer (1999)

2010-02-14T20:01:00.003+01:00

Regreso con esta película al director con el que inicié mi periplo por este blog ("Flash Point"), Wilson Yip, uno de los directores más sólidos en el panorama actual hongkonés, capaz de abordar con solvencia casi cualquier género y que ahora mismo está trabajando en la segunda parte de la excelente "Ip man".

Dos policías inician una operación de vigilancia en un edificio para intentar detener a un peligroso criminal. Se instalan en el apartamento de una anciana, con la que, sin proponérselo, van desarrollando una peculiar relación, que poco a poco se amplía a otros personajes que van desfilando por el edificio.

El gran mérito de esta cinta es, a mi entender, la perfecta combinación de elementos que realiza el director, de tal forma que por la película fluyen acción, drama y comedia casi a partes iguales, sin que podamos definir un género para la película. Esto no solo no lastra la cinta, sino que la hace sumamente interesante, con un equilibrio que acentúa su realismo.

El otro punto clave es el trabajo de sus actores, en especial un fantástico Francis Ng, en el papel de un personaje complejo que llena de fuerza y visceralidad, capaz él solo casi de llenar la película. El manejo que hace Wilson Yip de sus personajes y del ritmo de la cinta es sensacional, con unas escenas inicial y final espectaculares y repletas de la mejor acción y un tramo intermedio con todo lo demás.

Un clásico del cine hongkonés, una película llena de fuerza, de esas que deja un regusto que dura mucho más allá de que termine la cinta, una obra que merece la pena no perderse.

Nymph (2009)

2010-02-09T19:10:00.002+01:00

Hace solo unas fechas que traje al blog el cine del director tailandés Ratanaruang ("Ploy") y tan entusiasmado quedé que ya estoy trayendo su penúltima película hasta la fecha, a la espera de ver alguna otra de él que me han recomendado ("6ixtynin9").

Una mujer es perseguida y violada por dos hombre en la selva tailandesa, apareciendo ambos muertos poco después. A esa misma selva se traslada un fotógrafo para realizar un reportaje, le acompaña su esposa, con la que su relación no pasa por el mejor momento.

Una película fascinante ya desde una primera escena que es como para ver con detenimiento varias veces, auténticamente magistral. Ya aquí nos muestra el escenario clave de la película, una espesa jungla que nos regala con una fotografía espectacular que genera una atmósfera absolutamente única. Es precisamente esta atmósfera el punto fuerte de la cinta, que sustituye ese onirismo tan presente en "Ploy" por la magia y lo paranormal.

Aparte de la fotografía, yo destacaría la banda sonora, muy bien empleada, en los momentos justos, y que combina perfectamente con los silencios y esos sonidos de fondo tan propios del bosque que contribuyen aún más a introducir al espectador dentro de su mundo. La atracción casi hipnótica del espectador se ve acrecentada por la bellísima protagonista y varios maravillosos planos de ella.

Una película interesante y muy atrayente. Aunque de ritmo lento, en absoluto pesada, más bien magnética y con un toque perturbador que la hacen realmente fascinante.

Happy times (2000)

2010-02-03T19:20:00.003+01:00

Todos pasamos por momentos tristes y difíciles, pero en esos momentos siempre podemos encontrar pequeñas cosas que nos ayuden y nos reconforten. Para mí una de esas cosas ha sido esta película, que a pesar de ser una obra menor de Zhang Yimou, no deja de ser un gran ejemplo del talento y maestría de este director.

Un hombre busca esposa y cuando cree encontrar a la candidata idónea, pretende crear una imagen falsa de opulencia ante ella. Por esto, además de tener que conseguir mucho dinero para una boda que no se puede permitir, debe hacerse cargo de la hijastra ciega de su prometida.

Una película con la acostumbrada sencillez de Yimou, aunque esta vez en el ambiente urbano, alejandose de esos dramas rurales a los que nos había acostumbrado ("The road home", "Semilla de crisantemo", "Sorgo rojo"...) y prescindiendo de su musa Gong Li. Esa sencillez trasmite perfectamente una sensación agridulce con una combinación perfecta de drama con toques cómicos que no restan ni ápice de naturalidad a la cinta.

Por supuesto, bien en el aspecto técnico, como no podría ser de otro modo, pero lo que realmente destaca de la cinta es la trasmisión de sentimientos a través de sus personajes, entrañables y que generan una atmósfera positiva y optimista. Destacadísima la actriz Dong Jie, cuyo personaje engancha desde el principio y se convierte en el centro de la película.

Una especie de fábula moderna, entrañable, emotiva, simpática, y con un mensaje de fondo que nos dice que el egoísmo puede dar paso a la generosidad si nos dejamos llevar por nuestros auténticos sentimientos y solo así noas acercaremos a la felicidad.

Ploy (2007)

2010-01-19T23:16:00.003+01:00

Ya me he acercado en varias ocasiones al cine tailandés, pero es la primera vez que lo hago a la obra del director Pen-Ek Ratanaruang, famoso por su película "The last life in the Universe"-cinta de la que solo he oído elogios y que no tardaré en ver- y por otras películas algo menos difundidas como "6ixtynin9" o "Invisible waves".

Un matrimonio tailandés que vive afincado en los Estados Unidos y que no pasa por su mejor momento, regresa a Tailandia para asistir a un funeral. En el hotel donde se hospedan, el marido conoce a la joven Ploy, a la que invita a descansar en la habitación de la pareja.

Una película en la que la línea entre lo real y lo irreal es tan fina que casi resulta imposible discernir lo onírico y la realidad, lo cual aporta un toque especial a una historia que, aunque trascurre de forma calmada y pausada, acaba atrapando al espectador. En esto tiene mucho que ver el buen trabajo de sus actores protagonistas, que expresan a las mil maravillas toda una vorágine de sentimientos y pasiones.

Pero también tiene muchísimo que ver el trabajo de su director, con unos planos, una fotografía y una iluminación que hacen única la película, una banda sonora magistralmente combinada con los silencios y, sobre todo, su capacidad para crear una atmósfera cargada de una sensualidad que he visto en muy pocos directores.

Elegante, sensual, onírica... un auténtico lujo para los sentidos. Un director al que no conocía pero al que a partir de ahora voy a seguir muy de cerca. Invito a descubrirlo.

Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera (2003)

2010-01-13T20:00:00.001+01:00

Aunque ya en alguna ocasión he traído al blog el trabajo de Kim Ki-duk (hasta hoy, "Hierro 3" y "Dream"), del que soy profundo admirador de su trabajo, hoy me apetecía enormemente hablar de una de sus mejores películas, que además figura entre mis favoritas y que no en vano ganó varios premios internacionales.

Un templo budista edificado en el centro de un precioso lago. Un monje budista que vive en el templo. Su joven discípulo, un niño que va pasando por diferentes etapas de la vida hasta la madurez. Y vuelta a empezar.

La metáfora más impresionante jamás vista sobre el ciclo de la vida. Cine puramente poético, cargado de simbolismo y significado. Una cinta repleta de pequeños detalles y que abarca una vida completa, mostrando lo bueno, lo menos bueno y lo malo. Todos los sentimientos que afloran a lo largo de una vida están reflejados de una forma o de otra en la película.

Además, una factura técnica perfecta, una película preciosa desde el punto de vista visual, con unos entornos naturales sencillamente asombrosos que se fijarán en la memoria del espectador. La maestría del director queda demostrada en la planificación de una obra en la que además se permite el lujo de reservarse la interpretación de uno de los papeles.

Una cinta única, distinta y reflexiva sobre la propia vida que merece la pena sin duda ver al menos una vez, aunque probablemente quien lo haga no podrá resistirse a recordarla y volver a ella alguna vez más. Imprescindible.

Days of being wild (1990)

2010-01-12T23:42:00.003+01:00

En los momentos más tristes, cuando estoy realmente decaído, siempre acabo refugiándome en el cine Wong Kar Wai, hoy lo he hecho en "Aquellos años salvajes". Esto es porque no puedo evitar acabar identificándome con alguno de sus personajes y sus sentimientos, y esto me reconforta.

Un joven descubre que su madre lo es en adopción, pero ella no quiere revelar su pasado. El joven vive una relación con una bella mujer, a la que no tarda en abandonar y recogerse en brazos de otra, pero aquélla se niega a olvidarlo.

Un cine cuyo centro no es la acción, sino sus personajes y las relaciones que se van estableciendo entre ellos. Personajes tan comunes como cualquiera de nosotros, marcados por el amor, el desamor y tantos otros sentimientos que marcan nuestro devenir diario. Algo tan complejo y sin embargo trasmitido con tanta sencillez por este cineasta que hace su que sus películas sean algo único y maravilloso.

Un elenco sensacional de actores -Leslie Cheung, Maggie Cheung, Andy Lau, Carina Lau, Rebecca Pan...-, a los que WKW sabe exprimir al 100%, y es que su cine depende completamente de la naturalidad de sus personajes y sus relaciones. Debemos añadir el poder de su banda sonora y una fotografía única.

Una película melancólica, triste, tal vez no al nivel de excelencia que alcanzaría con algunas de sus cintas posteriores, pero sí que muestra el camino hacia el cine que encumbraría a uno de mis directores favoritos.

Time and tide (2000)

2010-01-11T18:57:00.002+01:00

No hace mucho, tras leer una reseña en otro blog sobre esta película, me decidí a rescatarla del olvido y me dispuse a su visionado después de no sé cuánto tiempo esperando abandonada en una estantería. Lo cierto es que después de verla, no entendía cómo era posible que una película como ésta me hubiera pasado tan desapercibida.

Un joven deja embarazada en una noche de borrachera a una policía lesbiana. Aunque ella reniega de él, no quiere desentenderse de ella y su futuro hijo, por lo que decide ganar el máximo posible de dinero durante un año para poder ocuparse de ellos.

Si ya he hablado en varias ocasiones del magnífico cine de acción de Hong Kong, esta es una de las mejores muestras que podemos encontrar. Un director excepcional como es Tsui Hark -sin el cual es poco menos que imposible entender lo que es el cine de HK en los últimos 15 ó 20 años- nos ofrece una historia repleta de acción, muy bien rodada y que llega a la excelencia en el tramo final de la cinta, con escenas tan espectaculares como verosímiles.

El reparto, a la altura de las circunstancias, encabezado por un buen Nicholas Tse ("Metade fumaca", "The beast stalker", "New police story"...), bien rodeado por los secundarios, entre los que solo mencionaré a Anthony Wong, que a pesar de su pequeño papel, marca su presencia como siempre. Una buena historia de fondo ayuda al excelente resultado final.

Cine de acción de HK en estado puro, auténtica dinamita que merece figurar entre las mejores películas del género en los últimos años. Con esta presentación, imposible perdérsela.

Moon (2009)

2010-01-10T15:47:00.003+01:00

Interesantísimo el primer trabajo de Duncan Jones tras las cámaras, en un ejercicio de ciencia-ficción con un sabor añejo que retrae al estilo de clásicos como "2001: Una odisea del espacio" o "Solaris", donde las ideas y personajes priman sobre la acción y los efectos especiales. Aclamada con justicia en Sitges y un buen número de otros festivales.

Un astronauta dirige una base minera en la luna, donde lleva casi tres años, el tiempo que figura en su contrato para ser sustituido y volver a la Tierra. Pero una serie de alucinaciones y un inoportuno accidente desatan una serie de sucesos que jamás habría imaginado.

Ciencia-Ficción con mayúsculas, muy alejada de los estereotipos que se han adueñado del género en los últimos tiempos. La acción es sustituída por la tensión y la intriga y los efectos especiales digitales por otros más clásicos y humildes -que dan a la cinta la apariencia de datar de los años 70-. Un personaje (gran interpretación del protagonista, Sam Rockwell) atrapado en un una atmósfera claustrofóbica y desasosegante que mantiene al espectador atento y casi hipnotizado durante toda la cinta. Una historia bien rodada, con continuas sorpresas del guión que sin embargo son solo el detonante para despertar la reflexión en el espectador, estimulado igualmente por el viaje introspectivo que hace el protagonista, clave también en este tipo de películas.

Una película de estilo retro, bien rodada y con un guión imaginativo y absorvente que no defraudará a los amantes de la Scifi de toda la vida. Ideal para fans de los clásicos.

Thirst (2009)

2009-12-30T16:11:00.002+01:00

Después de películas tan magníficas como "J.S.A." o su trilogía de la venganza, el coreano Park Chan-wook se encumbró como uno de los principales directores del cine asiático moderno, y era mucho lo que esperábamos de esta su última película. Lo cierto es que no cubre tan altas expectativas, pero aún así tiene elementos muy interesantes.

Un cura se somete voluntariamente a un experimento médico para encontrar la vacuna contra un virus letal. A punto de morir por el experimento, la gente se convence que tiene poderes de curación y peregrinan para que les ayude. Pero esa milagrosa recuperación es algo que le ha convertido en algo no humano.

Esta película, disfrazada de cinta de vampiros, en realidad esconde una carga crítica tremenda contra muchos aspectos de la sociedad moderna y sobre todo contra su deshumanización, bellamente representada por la evolución vital de sus protagonistas, Song Kang-ho ("The host", "Memories of murder" y un largo etcétera de uno de los mejores actores coreanos) y Kim Ok Bin, ambos simplemente sensacionales en sus respectivos papeles.

El problema de la cinta radica en que su director no ha sabido plasmar las ideas de una forma más simple y directa, se enreda innecesariamente para llegar a puntos donde podría llegar más facilmente, haciendo la película excesivamente larga, con muchos momentos demasiado superfluos como para llegar al espectador y que podría haber empleado en profundizar en las cosas realmente importantes de la película. Esta misma cinta, con un planteamiento más directo y media hora menos de duración sería probablemente una obra maestra.

A pesar de lo último, planteénse verla, porque el final es de esos que cautivan, un final único y genial que hace él solo que la película merezca la pena. Solo queda rezar para que éste director vuelva por sus fueros y nos ofrezca algo que sí esté realmente a su altura.

Mapa de los sonidos de Tokyo (2009)

2009-12-20T20:08:00.002+01:00

Aunque la Coixet no es ni de lejos una de mis directoras predilectas, el sugerente título de la película y su premisa argumental casi me obligaron a verla, y reconozco que aunque el resultado no es totalmente satisfactorio, sí es cierto que la cinta también tien su valor y cosas interesantes.

Una asesina profesional es contratada para liquidar al dueño de una tienda de vinos, un español emigrado a Japón. Pero su labor no es completada porque cuando conoce al que iba a ser su víctima, no puede evitar enamorarse de él.

Lo que aparentemente podría ser un thriller de acción, es en realidad un drama sustentado sobre una historia de amor y sexo en la que la relación entre los protagonistas es el centro absoluto de la película. El tercer personaje en cuestión serían las calles de un Tokyo bellísimamente fotografiado -para mí el punto más fuerte de la película-, aunque sin marcar tanto carácter como lo hacía en la maravillosa "Lost in traslation".

En el reparto destaca una Rinko Kikuchi ("Babel") luciendo anatomía y con una actuación más que correcta y un Sergi López al que no me atrevo a calificar por el infame doblaje de la versión en español -que nadie cometa mi error de no verla en versión original-. Y para completar el ejercicio de estilo que pretende su autora, una banda sonora mezcla de todo y que en algunos momentos no acompaña como debería.

Concluyendo, una película que acaba siendo menos de lo que podría ser, donde prima el continente sobre el contenido, una cinta bella, lírica, pero carente de profundidad. No obstante sigue siendo interesante, sobre todo desde el punto de vista visual y que merece que al menos la demos la oportunidad de verla.

I come with the rain (2009)

2009-12-16T18:45:00.004+01:00

El director vietnamita Tran Anh Hung da un giro radical a su estilo para ofrecernos esta película totalmente alejada de lo que hasta ahora habíamos visto en films como "El olor de la papaya verde", "Pleno verano" o "Cyclo".

Un expolicía reconvertido a detective privado tras un desafortunado caso en el que perseguía a un trastornado asesino en serie, es contratado por el dueño de una gran empresa farmaceútica para que busque a su hijo desaparecido.

Se trata de una apuesta arriesgada que ha generado tantos admiradores como detractores. Yo me declaro entre los primeros, creo que se trata de una película tremendamente original, muy personal y que mezcla de forma magistral diferentes géneros para crear una película rompedora aunque compleja y, en mi opinión, bastante críptica en cuanto al mensaje que quiere lanzarnos.

Más allá de que nos guste el argumento y sus ideas, hay que reconocer la brillantez de la forma en que nos los ofrece: fotografía exquisita, una banda sonora poderosa, marcada por los ritmos de Radiohead -sí, Radiohead, los mismos cuyo tema Creep en la gran "Cyclo" define una de las escenas de mayor sensualidad de toda la historia del cine- y un reparto que está sencillamente sensacional. Sorprendente para mí el convincente trabajo de Josh Hartnett, perfectamente secundado por Lee Byung-Hun ("J.S.A.", "The good, the bad, the weird", "A bittersweet life"), Elias Koteas, Takuya Kimura ("Love and honor") y una bellísima y magnética Yên-Khê Tran Nu.

Película intensa, inolvidable y que marca el regreso después de varios años de este genial director. Y la próxima parada será nada menos que "Norwegian wood", la adaptación al cine de la fascinante novela de Murakami (leedla, porque merece la pena).

Comrades, almost a love story (1996)

2009-11-25T19:26:00.004+01:00

Aunque el cine hongkonés haya destacado clásicamente sobre todo con cintas de acción, artes marciales y comedias, lo cierto es que este abanico se abre cada vez más para ofrecernos obras interesantísimas de cualquier género. Hoy quiero hablar de este multipremiado drama romántico, obra de uno de los autores más interesantes del cine reciente de H.K., Peter Chan, director de cintas tan recomendables como "The warlords" o "Perhaps love".

Un joven viaja desde la China continental a Hong Kong para reunir dinero y poder casarse con su novia, a la que ha dejado en su pueblo natal. Durante su difícil adaptación a la vida en la urbe, conoce a una mujer con la que traba amistad y de la que poco a poco se va enamorando.

Lo cierto es que estamos ante una película sencilla, sobria y sin alardes pero que trasmite una bellísima historia de amor de forma natural, correcta y con la dosis de drama y sensibilidad justas y necesarias, sin caer en excesos que minarían una historia que engancha desde el principio -a pesar de que en varias ocasiones las situaciones resulten algo forzadas para llevarnos a donde quiere el director- sin que sepamos hacia dónde nos va a llevar.

Pero lo mejor, sin duda, los actores. El eje central de la cinta es, a mi entender, una mayúscula Maggie Cheung ("In the mood for love"), más guapa y encantadora que nunca, perfecta en su papel en todo momento y cuya química con el resto de personajes resulta fundamental para que todo funcione. Leon Lai ("Fallen angels") está correcto, mejora conforme avanza la película, pero queda muy ensombrecido por su parteneire. También destacaría el pequeño pero importante papel de un Eric Tsang ("Metade fumaca") cuyo carisma llena la pantalla cada vez que aparece. Son sus personajes y las difíciles relaciones entre ellos lo que da vida a la cinta.

Una película sencilla, humilde, pero de las que merece la pena disfrutar, mejor si es en compañía. Una historia maravillosa, y una maravillosa Maggie, en el que es probablemente uno de los mejores trabajos de su carrera.

Ponyo en el acantilado (2008)

2009-11-17T19:15:00.003+01:00

Por fin he tenido la oportunidad de disfrutar de la última maravilla del maestro Miyazaki, cuatro años desde su último largometraje ("El castillo ambulante"). A pesar de casi llegar a los 70 años, demuestra que sigue en plena forma y que sigue siendo de lejos uno de los mejores directores de animación del mundo.

El joven Sosuke encuentra una pequeña pez encerrada en una botella, a la que decide llamar Ponyo y de la que se hace su amigo. Y a tal punto llega su amistad que la pequeña Ponyo está dispuesta a recurrir a la magia para hacerse humana y estar junto a su amigo.

Está versión libre del cuento de la sirenita (aunque radicalmente distinta, nada tiene que envidiar a esa otra maravilla que es "La sirenita" de la Disney) es quizá la obra más enfocada hacia los niños de toda la obra reciente de Miyazaki. Más sencilla, personajes más simples y un argumento directo, aunque sin perder esa personalidad y esas señas de identidad que marcan el cine de Miyazaki: irrealidad onírica, respeto por la naturaleza y la amistad sincera como parte fundamental del las relaciones entre sus personajes.

El conjunto en sí es realmente brillante. La animación tradicional parece no tener límites en manos de Hayao, consiguiendo unos dibujos sencillos pero llenos de color y vida y trasmitiendo todo tipo de emociones. Un universo que desborda imaginación y que absorve por completo al espectador que quiera dejarse llevar.

En resumen, otra maravilla de la animación, una película apta para cualquier público siempre y cuando esté dispuesto a renunciar a prejuicios y a admitir la magia y los sueños como algo propio de su realidad. Sencillamente genial.

Con los días contados (1999)

2009-11-02T20:15:00.002+01:00

Hoy he decidido rescatar esta pequeña joya de ese gran director que es Johnnie To, una película quizá oscurecida por la alargada sombra de otras obras más reconocidas del autor ("The mission", "Exiled", "Election"), pero que es una muestra perfecta de cómo hacer cine de acción que aúne calidad y entretenimiento.

Un genial ladrón descubre que padece una enfermedad terminal, por lo que decide preparar un último gran golpe. Pero siguiéndole la pista, un oficial de policía tan inteligente y astuto como él le pisa los talones. Comienza el juego del gato y el ratón.

Ante todo, pura diversión. Ni un minuto de aburrimiento para el espectador, que se encuentra con una historia medida al milímetro, llena de giros y sorpresas. Excelente factura que combina hábilmente acción, comedia y thriller para dirigirnos sin un momento de descanso hacia un final sorprendente y poco menos que inverosímil.

Y entre tanto punto fuerte, destaca el enorme carisma de sus dos protagonistas, Lau Ching Wan y Andy Lau, ambos excelentes en su duelo interpretativo, con personajes de esos que destilan magnetismo para el espectador y que recrean durante su persecución una relación entre ambos tan extraña como interesante.

En fin, otra muestra más del cine de Johnnie To, probablemente el valor más seguro del cine hongkonés actual y al que siempre hay que tener muy presente cuando queramos pasar un buen rato delante de la pantalla.

After life (1998)

2009-11-01T20:13:00.002+01:00

Aunque lo intenten pervertir hacia la idea de esa fiesta americana que es Halloween, en España el Día de los Difuntos siempre ha tenido un significado muy distinto, por eso voy a prescindir de hablar de una película de terror para acercarme a una visión de la muerte totalmente diferente y especial. "After life" fue la primera película que ví de Kore-Eda ("Nobody knows", "Hana", "Still walking"), ganadora del premio FIPRESCI en San Sebastián.

Una serie de personas han fallecido y unos guías espirituales les explican que deben elegir un recuerdo de su vida. Este recuerdo será filmado para que les acompañe durante el resto de su existencia, mientras el resto de recuerdos se borrarán de su memoria.

Traumatizado por una infancia marcada por la enfermedad de Alzheimer que sufrió su abuelo, Kore-Eda rodó tres películas inspiradas en esta vivencia (también "Maborosi" en 1995 y "Distance" en 2001), dejando una peculiar visión de lo que es la muerte y la memoria y consiguiendo plasmarla en una película agradable, sensible y melancólica.

La fotografía -fué originalmente filmada en 16 mm- marca muchas de las sensaciones que produce la película, dando un toque retro que va perfecto para la cinta. Además, un inteligente uso de los planos y los diálogos dan una factura final excelente -considerando que se trata de una producción humilde- para una película más que interesante y a la que solo le pondría un pero, que es una duración algo excesiva para mi gusto.

Dicen que las mejores películas son aquellas que obligan a la reflexión, y esta es una de ellas, porque te obligará a traer tus propios recuerdos mientras asistes a los de sus protagonistas. Y es que, aunque nunca pensemos en ello, qué maravilloso es recordar.

American History X (1998)

2009-10-27T19:53:00.003+01:00

Una de esas películas de las que me habían hablado muy bien, pero que nunca me despertó un interés especial. Ayer, por casualidad, comencé a verla por TV (ya es raro que yo vea una película directamente de televisión) y ya quedé totalmente enganchado, no tuve más remedio que verla entera. Sencillamente me dejó impresionado.

Derek es un joven violento y conflictivo de ideas neonazis que un día comete un brutal crimen por el que acaba encarcelado. Al salir de prisión, totalmente rehabilitado, intenta alejarse de ese mundo que le arrastró al pozo, pero eso no es algo tan fácil, máxime cuando su hermano pequeño, influído por ese modelo que antes representaba, está siendo arrastrado hacia él.

Brutal, contundente, impactante. Estos y otros muchos adjetivos son los que podría utilizar para describir una película tensa, directa y llena de mensaje. Una película reflexiva, con una reflexión mucho más profunda que el tema obvio del racismo. Una historia llena de violencia -violencia, además muy explícita- que la hace tremendamente dura, pero por ello probablemente el espectador se vea mucho más implicado y por ende influenciado por el contenido de la obra.

Destacadísimo Edward Norton ("El club de la lucha"), absolutamente metido en un papel que le mereció la nominación al Óscar -¿Cómo es posible que no lo ganara?- y que supone una de las interpretaciones más memorables que pueda recordar. Un personaje lleno de matices y cuya trasformación a lo largo de la historia resulta tan creíble como prodigiosa. También podemos disfrutar de un guión muy sólido y de una fascinante fotografía, con un inteligentísimo empleo del color y del B/N.

Película que yo calificaría de imprescindible, tan brutal como necesaria, profundamente reflexiva y que muestra muchos de los aspectos más oscuros de la sociedad que nos ha tocado vivir.

Vivir (1952)

2009-10-21T18:03:00.004+02:00

Después de unos días de retiro forzado por enfermedad -nada grave, por suerte-, a la hora de retomar el blog se me ocurrió escribir sobre alguna película relacionada con la enfermedad, y la primera que me vino a la mente es "Ikiru", una maravilla del maestro Kurosawa, auténtica obra maestra que no hace sino certificar la genialidad de este director.

Watanabe es un funcionario de vida gris y monótona, cuya aburrida existencia se resquebraja por la noticia de su muerte inminente a causa de un cáncer incurable. A partir de aquí y consciente del vacío y la inutilidad de su vida hasta ese momento, decide buscarla un sentido que la llene antes del día de su muerte.

Hablar de esta película es tan sencillo como decir "obra maestra", pero creo que el auténtico valor de esta película llega incluso un poco más allá. Estamos ante una profundísima reflexión acerca del significado de la vida y la muerte, la más profunda que yo he podido ver en una película. Y desde un tono absolutamente pesimista -que se agiganta por esa oscura fotografía en B/N-, Kurosawa es capaz de trasmitir un mensaje de esperanza, una visión poética y optimista sobre cómo cambiar las cosas y hacer que cada vida cobre un sentido.

En el centro de toda la película está Takashi Shimura, un actor como la copa de un pino, habitual con Kurosawa (nada menos que 22 colaboraciones juntos, en este blog hasta hoy "Trono de sangre") y cuyo papel en esta película es sencillamente soberbio, recreando un personaje que llega al espectador hasta lo más profundo del alma.

Una delicia que nadie debería perderse, sobrecogedora ya desde la primera escena (esa radiografía con que comienza la película deja sin palabras), una cinta tan dura como hermosa, una exaltación a la propia vida.

El puzzle de Dios (2008)

2009-10-03T23:59:00.005+02:00

Genio y figura, seguro que Miike no fué ajeno a todas esas polémicas y comentarios que surgieron a raíz de la inauguración de aquel gran acelerador de partículas (que sigue estropeado, creo) y le resultó una gran fuente de inspiración para esta película que se encuentra en la línea más moderada de uno de los directores más rompedores, creativos, provocadores y polémicos del cine actual.

Un joven universitario está en clase de física con el objetivo de acercarse a una guapa alumna del curso. Entonces conocerá a Saraka, otra alumna tan genial , brillante e inteligente como arisca y poco sociable. Juntos deben hacer un trabajo para clase relacionado con el origen del universo.

Lo que comienza como una comedia romántica en un ambiente universitario, se va trasformando paulatinamente en un especia de cinta catastrofista de ciencia-ficción, remarcando lo de ciencia porque precisamente ahí radica el peso de la trama. Conceptos como asimetría, teoría de cuerdas, relatividad, materia oscura o agujeros negros son fundamentales para dar realismo a una película que en el fondo lo que busca es una reflexión sobre los límites de la ciencia y hasta dónde podemos -y sobre todo, debemos- llegar con ella.

Hay una frase demoledora en la película que dice algo así como "La ciencia y el arte son los inventos más grandes de la humanidad". En ella se asienta el peso de toda la película; Miike hace poco menos que equipararlas y convertirlas en la demostración de nuestra humanidad., quizá buscando que nos preguntemos sobre nuestro origen y nuestro futuro, las dos preguntas clave de la filosofía-religión desde el origen de los tiempos. De cualquier modo, aún haciendo caso omiso de estas reflexiones podemos disfrutar de una película muy válida como simple entretenimiento y al alcance de cualquiera aunque no tenga los más mínimos conocimientos de física teórica.

Véanla de cualquiera de las dos formas, y si les interesa la temática, voy a recomendar también una serie documental: se titula "El universo elegante" y explica todos esos conceptos de forma clara y sencilla. Yo la ví hace no tanto en esa famosa fuente de videos de internet, ya sabéis ;)

A stranger of mine (2005)

2009-10-02T23:12:00.002+02:00

El debutante Kenji Uchida sorprendió a propios y extraños con esta película (en 2008 ha estrenado su segundo filme, "After school"), baja en presupuesto pero merecedora de los elogios de la crítica y múltiples premios en varios certámenes internacionales (incluídos tres en Cannes). Aparcada desde hace meses en una de mis estanterías, por fín encontré el momento para verla, y de verdad que no me ha decepcionado.

Un oficinista que acaba de ser abandonado por su novia queda para cenar en un restaurante con un amigo. Allí conocerán a una chica, desesperada por haber sido traicionada por su novio. Las historias de estos personajes y otros que van apareciendo en escena se van entrecruzando a lo largo de la noche durante la que trascurre toda la película.

La simplicidad de medios con que fué rodada se compensa sobradamente gracias a una buena factura técnica y sobre todo a un guión ágil y muy, muy inteligente. Hábil mezcla de géneros -aunque con claro predominio de la comedia ligera-, partiendo de un comienzo sencillo se nos va introduciendo personajes y situaciones que van entrecruzándose, a la vez que el director nos plantea diferentes puntos de vista que nos van aportando la información poco a poco para que el espectador vaya engranado la historia en su cabeza. Un poco al estilo -salvando las diferencias- de la excelente "Memento". Una aguda reflexión sobre cómo ver las mismas situaciones desde diferentes puntos de vista o bajo la percepción de pequeños detalles ocultos pueden alterar radicalmente su comprensión.

Una película que es casi un laberinto, medido al milímetro para que cada escena tenga su sentido y entregue al espectador lo que tan solo un minuto antes no era capaz de discernir. Absolutamente brillante.

One million yen and the Nigamushi Woman (2008)

2009-09-30T19:58:00.002+02:00

Hace unos días pasé por uno de los blogs amigos, concretamente "Batto presenta...", donde mencionaba una película muy reciente, para mí totalmente desconocida pero con un argumento que rápidamente me llamó la atención. Obviamente, lo siguiente fué conseguir la película y verla, y hoy he decidido comentarla porque creo que merece la pena.

Una joven, harta de la vida en casa con sus padres decide independizarse. Una serie de sucesos la llevan a tomar la decisión de vivir en cada sitio solo el tiempo necesario para ahorrar un millón de yenes, cantidad suficiente para iniciar una nueva vida en un lugar diferente.

Bajo esta sencilla pero original premisa se nos presenta una película de esas que durante su visionado te hacen pasar por muchos estados de ánimo. Sencilla, elegante o simplemente una pequeña gran película, cercana a una "road-movie" en la que la protagonista lleva a cabo una búsqueda de sí misma, una especie de viaje iniciático hacia la madurez.

La protagonista está fantástica. Se trata de la joven actriz japonesa Yû Aoi, una estrella que tiene solo 24 años pero que ya ha trabajado con Iwai ("Todo sobre Lily Chou-Chou", "Hana y Alice"), con Miki ("Turtles swim faster than expected"), con Nakashima ("Memories of matsuko"), con Bong Joon-ho ("Tokyo!")... Perfecta exprimiendo un personaje tan complejo como fascinante.

Llego tarde, agotado, de mal humor y sin ganas de hacer nada. Entonces elijo una película como ésta y todo eso se olvida; te aislas de la realidad y eres absorvido por la pantalla, te llenas de calma y te dejas llevar por el personaje y solo sientes lo que puedes ver de tí reflejado en él. Así es esta película.

The equation of love and death (2008)

2009-09-29T00:20:00.001+02:00

El director chino Cao Baoping era un absoluto desconocido hasta que el año pasado presentó esta película en el Festival de San Sebastián, certamen en el que fue galardonado con el premio al mejor director novel. Tampoco pasó desapercibida en los premios del Cine Asiático, donde su protagonista consiguió el premio a la mejor actriz.

Li Mi es una taxista que lleva cuatro años buscando al novio que la abandonó cuando su familia se opuso al matrimonio de ambos. Para ello enseña su fotografía a todos los clientes que lleva en su taxi con la esperanza de que alguno lo reconozca y la ayude a encontrarlo.

Acostumbrados a que el cine chino generalmente busque como inspiración dramas realistas, ya sean rurales o urbanos, no deja de sorprender esta película, que comienza casi como una comedia -esa taxista dejando alucinados a sus pasajeros con las fotos del novio desaparecido- para pasar rapidamente al thriller, empleando éste como mera excusa en desembocar en puro drama, una historia de desamor que yo creo que es lo que mejor define a la película. Meritorio el trabajo de su director para que estas transiciones sean naturales y encajen adecuadamente en el puzzle que es esta película, en el que varias historias personales se entrecruzan para converger en un punto común.

La clave para que la película funcione, a pesar de lo enmarañado de esas historias, cuyas conexiones a veces son un poco forzadas, es la excelente interpretación de Xun Zhou, una de las mejores actrices chinas del momento ("Painted skin", "Perhaps love", "Balzac y la joven costurera china"). No necesita exibir su gran belleza, se limita a entregarnos una interpretación memorable recreando un personaje que destila encanto y sobre el que recae todo el peso de la película.

Concluyendo, una película interesante, cuyo ritmo va in crescendo y en la que aunque la historia quizá no logre envolver completamente al espectador, este se sentirá totalmente atrapado por la presencia de una actriz absolutamente maravillosa.

Blood: The last vampire (2001 - 2009)

2009-09-28T18:49:00.004+02:00

He aquí un claro ejemplo de cómo debe ser la explotación económica de algo que puede ser un filón comercial. "Blood, the last vampire", fue desde su creación planteado como un universo que arrancó en un manga, luego llegaría la película de animación que no es sino la protosecuela del manga, a continuación una serie de anime y acaba de estrenarse la película con actores reales, versión libre y de producción internacional del anime. Entre medias, se han desarrollado videojuegos y varios libros.

Saya es una joven estudiante introducida en la escuela de una base militar norteamericana en la que se han producido varios asesinatos. En realidad ella no es totalmente humana y forma parte de una organización secreta que lucha contra vampiros.

Esta original historia, tan interesante como llena de acción, es llevada a la pantalla en dos ocasiones en el trascurso de solo 8 años, siendo ambas en esencia muy parecidas, aunque con varios cambios argumentales entre una y otra -motivados en gran medida por la necesidad de alargar la corta duración del anime, imprescindible para la producción del largometraje-, si bien estos no alteran radicalmente la idea original.

Del anime destacar su excelente factura técnica, con una buena historia condensada en menos de una hora de acción imparable. Del "live action" destacaría a su protagonista, la coreana Jeon Ji-hyun ("My sassy girl", "Il mare", "A man who was Superman"), tan atractiva y sensual como siempre pero en un papel alejadísimo de sus roles habituales, a pesar de lo cual no desmerece en absoluto en las excelentes coreografías de acción, en las que se nota la mano del especialista Corey Yuen.

En general recomendaría conocer la obra, no creo que nadie salga defraudado -vea el anime o la película- si sabe lo que debe esperar de ellas, pero sí me dejaron una especie de sensación de "me falta algo", probablemente motivado por mi absoluto desconocimiento de la historia relatada en el manga, que creo completaría la comprensión de la historia.

The midnight meat train (2008)

2009-09-27T18:17:00.004+02:00

Es ésta de esas películas que para mí pasarían totalmente desapercibidas sino fuera porque en sus créditos aparece el nombre de Kitamura. No es el primero -ni será el último- de esos autores que abandonan su país de origen para probar suerte en la meca del cine, con mayor o menor fortuna. Así debuta Kitamura en Hollywood, un director tan original como extravagante, autor de cintas tan irregulares como sorprendentes, entre las más conocidas "Versus", "Azumi", "Godzilla: Final wars" o "Alive ".

Un fotógrafo obsesionado con captar con su cámara lo más oscuro del ser humano y de la vida urbana, cuya vida casualmente se cruza con un asesino que cada noche asesina y descuartiza a los pasajeros del último tren de la noche.

Una película oscura, brutal, cuya mayor virtud radica en ese estilo tan de Kitamura que consiste en llevar su cine a situaciones insólitas y generalmente incomprensibles. Partiendo de un inicio más o menos convencional, la cinta se va trasladando a un plano irreal y extravagante (atentos al tramo final), que puede o no gustar pero que aleja radicalmente al espectador de esa cómoda aunque aburrida sensación de previsibilidad que tanto abunda en el cine. Más de uno, viendo el cine de Kitamura, puede pensar algo así como "a este tío se le ha ido la olla". Probablemente sea verdad, pero eso es precisamente lo interesante de este director.

La fotografía es realmente excelente, emplea recursos técnicos muy interesantes y los efectos especiales están muy conseguidos -aunque resultan voluntariamente irreales- con algunas escenas de puro gore tan espectaculares como exageradas (la escena del segundo crimen que se produce en el vagón no tiene desperdicio). Aunque tiene evidentes fallos de planificación y de guión, no deja de ser una cinta interesante.

Película que yo recomendaría a los amantes del cine de terror, sobre todo aquellos con gusto por el gore. Y atentos al trabajo del actor que interpreta al asesino, que resulta un famoso exfutbolista de la Premier League reconvertido a actor.

Trono de sangre (1957)

2009-09-14T19:54:00.005+02:00

El evidente interés de Kurosawa por la literatura occidental en general y por Shakespeare en particular se plasmó en un buen puñado de películas basadas -o cuanto menos, inspiradas- en reconocidas obras literarias. Destacaría "Ran" (El rey Lear), "Los canallas duermen en paz" (Hamlet), "El idiota" (El idiota, de Dostoyevski), "El infierno del odio" (El secuestro del rey, de McBain), "Los bajos fondos" (obra homónima de Gorki) y esa gran adapatación de Macbeth que es "Trono de sangre".

Dos oficiales regresan a casa tras una batalla victoriosa. Perdidos en un misterioso bosque llegan a una cabaña donde una anciana hace una serie de predicciones acerca de su futuro.

Kurosawa no solo demuestra su maestría tras la cámara trasladando esta obra magna shakesperiana al celuloide de forma convincente, sino que además lo hace ambientándola en el Japón feudal sin que la historia pierda un ápice de su espíritu original. Y lo hace proyectando una extraordinaria intensidad a la historia desde el primer al último minuto, con un tramo final digno de los anales del cine.

Excepcionales la fotografía y el manejo de la cámara, con planos y encuadres milimétricamente planificados -algo común en toda la obra de Kurosawa-, y que dotan a la película de un poderío visual incomparable. Y también excepcional el trabajo actoral, a la cabeza un memorable Toshiro Mifune en otra de sus excelsas colaboraciones con Akira.

Épica, vigorosa, perfecta. Auténtica obra maestra de uno de los más grandes, imprescindible para comprender a Kurosawa e imprescindible para comprender el cine como arte.

El último hombre sobre la Tierra (1964)

2009-09-12T18:05:00.003+02:00

Hoy comento la que es la primera adaptación para el cine de la excelente novela de Richard Matheson "I am legend". Luego vendrían "El último hombre vivo" (1971, con Charlton Heston, bastante alejada de la novela original) y recientemente la notable "Soy leyenda" (2007, con Will Smith) y el producto de la inclasificable productora The Asylum "I am Omega" (2007, con Mark Dacascos).

Robert Morgan vive completamente solo en una ciudad desolada por una pandemia que acabó con la población transformándola en vampiros. Sobrevivir a sus ataques y acabar con el mayor número de ellos son sus únicas preocupaciones, mientras intenta comprender un porqué y no perder la cordura.

De todas las versiones es ésta la más fiel a la obra original, no en vano el propio Matheson intervino en el guión (aunque cambios obligados por la productora le llevaron a figurar en los créditos bajo pseudónimo). Se trata de una cinta donde prima la psicología por encima del terror y la acción, hecho éste que no resta un ápice de interés a la cinta, más bien todo lo contrario. Un excelente Vincent Price traslada eficazmente a la pantalla la soledad, el tormento y la lucha de un hombre solo en medio de la desolación provocada por la enorme tragedia.

Una apagada fotografía en blanco y negro de esas calles desoladas y solitarias dan un tono lúgubre y pesimista a la cinta, muy adecuado para una historia profundamente dramática y reflexiva y que hace que olvidemos lo limitado de sus medios y los obsoletos efectos especiales.

En mi opinión una película excepcional, injustamente olvidada, pero que aún así ejerció una notable influencia en el cine posterior (comparad con "La noche de los muertos vivientes") y que es una logradísima adapatación de una novela absolutamente genial.

Beyond hypothermia (1996)

2009-09-07T22:05:00.002+02:00

De la mano del gran Johnnie To -esta vez como productor- nos encontramos una película sobre asesinos profesionales, esa figura que tantas y tan excelentes películas nos ha dado. Recordemos clásicos como "The killer" o "Fallen angels", las excelentes "Fulltime killer" o "Bangkok dangerous" y, desde occidente, "The mechanic", "Asesinos" o "Asesinos de reemplazo", por citar solo algunas .

La protagonista es una fría y despiadada asesina, sin identidad, sin pasado, sin sentimientos. Pero su vida da un vuelco cuando conoce al dueño de un restaurante -interpretado por Lau Ching Wan-, antaño miembro de las triadas, y del que no puede evitar enamorarse, por lo que comienza a replantearse su vida y su futuro.

El punto común de las películas de este género es un punto de inflexión en la vida del asesino que le hace replantearse el significado de su vida y le lleva a querer abandonar su oscura profesión, pero eso nunca es tan fácil.

Una película bien manejada, con escenas de acción realmente brillantes, coreografiadas como solo saben hacer en HK, y con personajes llenos de claroscuros que los hacen realmente interesantes para el espectador. Ni un respiro durante toda la cinta, cargada de tensión y con un cierto aire melancólico que creo le va muy bien.

Interesante película, poco conocida pero que no defrauda, una pequeña joya del cine de acción, intensa, agobiante y con un final explosivo.

Till death do us part (1998)

2009-09-06T18:09:00.002+02:00

Hay películas que no son lo que parecen, que sugieren una idea que luego es otra radicalmente distinta, películas que son de lejos mucho más de lo que aparentan por medios, argumento o reparto. Y eso precisamente es lo que ocurre con "Hasta que la muerte nos separe", una poco conocida película hongkonesa de los 90 del director Daniel Lee, autor también de cintas tan interesantes como "Dragon Squad" o "Three kingdoms: resurrection of the dragon".

BoBo tiene una vida plena y feliz. Es joven, hermosa y tiene un marido al que ama, policía de profesión y con el que forma una pareja aparentemente perfecta, y una preciosa y adorable hija. Lo que no sabe es que esa hueca felicidad está a punto de saltar en pedazos.

Lo que comienza como un simple drama familiar va trasformándose poco a poco según avanza el metraje hacia cotas más oscuras y retorcidas. El título -aunque ambiguamente- lo dice todo y nada de una película que puede llegar a resultar asfixiante, con una tensión que alcanza su clímax en un cuarto de hora final sencillamente perfecto.

El peso de la historia recae en el personaje principal, meritoriamente interpretado por una Anita Yuen que nunca estuvo tan bien y cuya lenta trasformación de personalidad a lo largo de la cinta es espectacular. Pero no nos engañemos, lo realmente duro de esta película es que sus golpes, su tragedia, no son sino parte común de la propia vida, poco menos que rutina dentro de la sociedad en que vivimos.

Muy recomendable. Hora y media de tensión brutal en una cinta para recordarnos que la felicidad es un bien efímero que puede desaparecer al girar en cualquier esquina.

Tony Takitani (2004)

2009-09-04T18:44:00.002+02:00

Comienzo Septiembre hablando de literatura en lugar de cine. Esto es porque esta película, dirigida por Jun Ichikawa, está basada en un relato corto del libro "Sauce ciego, mujer dormida", de Haruki Murakami, uno de los autores modernos de mayor éxito internacional, famoso por obras tan recomendables de leer como "Tokyo Blues" o "Crónica del pájaro que da cuerda al mundo".

Tony Takitani es el hijo de un músico de jazz, cuya vida transcurre vacía y solitaria hasta que conoce a una mujer, quince años más joven que él, con la que acaba casándose y a la que ama pero cuya relación estará marcada por la curiosa obsesión de ella.

La historia que relata es simplemente espectacular. Profunda, desgarradora y llena de tristeza, nos introduce de lleno en temas como la soledad, el aislamiento social, las relaciones humanas, las obsesiones y el amor. Y lo hace con sencillez desde el punto de vista estético , pero con una enorme complejidad desde el punto narrativo, con personajes llenos de matices cuyos pensamientos y motivaciones se nos presentan como el punto central de la película. Una profunda reflexión de poco más de una hora sobre la soledad y como las relaciones humanas no pueden ser sustituidas por nada material.

Más que correcta fotografía, excelente banda sonora y un curioso montaje en el que se aúna cine y literatura mediante la introducción de la voz de un narrador cuya presencia no resulta superflua gracias a que sus palabras aportan información añadida a la que nos pueden ofrecer las imágenes y a que nos introduce dentro de los pensamientos de los propios personajes, con recursos tan originales como que sean los propios actores los que finalicen las frases del narrador.

Una historia difícil y amarga pero relatada con enorme elegancia y que nos permite introducirnos de lleno en el personal mundo de uno de los narradores más fascinantes que podemos leer en la actualidad. Y más ahora que cobra fuerza el rumor del próximo traslado a la gran pantalla de "Tokyo Blues" nada menos que por Tran Anh Hung. A disfrutarla.

Flores de fuego (1997)

2009-08-31T18:04:00.002+02:00

Regreso al cine de Kitano con una de sus obras más personales, una cinta fundamental para comprender su obra -y por ende el cine japonés moderno- y lo que yo considero un punto de inflexión clave en su carrera, la perfecta sintonía entre su cine de yakuzas ("Violent cop", "Sonatine", "Boiling point") con ese cine poético que tocaría techo con "Dolls". Merecidísimo sin duda el León de Oro en Venecia que consagró esta obra.

Kitano interpreta a Nishi, un violento policía que lo deja todo para cuidar de su esposa, aquejada de una enfermedad terminal. Poco antes de su retiro su compañero quedó confinado a una silla de ruedas por el resto de su vida.

Violencia y poesía a partes iguales, película llena de simbología y pequeños detalles ocultos y que se comporta como un puzzle cuyas piezas van encajando lentamente, en una trama llena de pausas y de silencios no carentes de significado. A más de uno esto se le hará eterno, pero ya volverá a la tierra en esas otras escenas de magistralmente rodada violencia.

Esta película, a pesar de su aparente serenidad, te llena de desesperanza, de tristeza y resulta perturbadora, abrumadora a pesar de su enorme belleza visual. Esa banda sonora que lo impregna todo -otra vez el genial Hisaishi-, esos coloridos cuadros llenos de significado - que son obra del propio Kitano- y esos personajes atormentados llenan la pantalla de un lirismo que culmina en un final tan soberbio como aplastante.

Una película tan difícil de ver como imprescindible. Una obra maestra que creo que tiene mucho de autobiográfico y que recomiendo se vea solo cuando ya has saboreado antes la obra de T.K., empezar la comida por el plato fuerte puede resultar indigesto.

La vida de los otros (2006)

2009-08-27T20:03:00.004+02:00

El renacer que está sufriendo el cine alemán en los últimos tiempos probablemente alcanzó su punto álgido con esta película, una de las mejores sin duda del cine europeo reciente, pero también una auténtica sorpresa, dado que está escrita y dirigida por entonces un completo desconocido, Florian Henckel von Donnersmarck, si bien esto no fue en absoluto impedimento para que ganase más de medio centenar de premios, muchos de enorme relevancia.

La trama se centra en un competente oficial de la Stasi -la antigua policía secreta de la R.D.A.- durante los últimos tiempos de esta. Cuando le encargan la misión de vigilar a la pareja que forman un famoso escritor y una reconocida actriz, no podía imaginar la trascendencia que esto tendría para su vida.

Estamos ante una película tan potente como perturbadora, absolutamente emocional y profunda sobre una época y unas circunstancias que no deben repetirse pero tampoco olvidarse. Aunque la trama de espionaje está fabulosamente reflejada en la cinta, lo verdaderamente importante aquí son los personajes y su trasformación a lo largo de la misma. Si bien es cierto que al principio quizá le cueste coger el ritmo, luego la película se comporta de forma arrolladora hasta concluir en un final absolutamente memorable, antológico.

Estamos ante una joya bien rodada, excelentemente ambientada pero en la que yo destacaría por encima de todo el excepcional trabajo actoral, principalmente de su triángulo protagonista, encabezado por un memorable Ulrich Mühe -que falleció poco después de esta película- y fabulosamente secundado por una maravillosa Martina Gedeck ("Las partículas elementales", "Deliciosa Martha") y un solvente Sebastian Koch.

Una película dura, emotiva, fascinante, con un tramo final que es como un golpe al corazón, un torbellino de emociones que te deja sin respiración. Imprescindible, una auténtica obra maestra del nuevo cine europeo.

Crying freeman (1995)

2009-08-26T20:33:00.003+02:00

Película mítica de acción de los 90, ópera prima del director Christophe Gans ("El pacto de los lobos"). Basada en un famoso manga de Kazuo Koike y Ryoichi Ikegami, resulta tremendamente llamativo lo internacional de la adaptación, en cuya producción intervinieron Francia y Canadá además de Japón, contando con un reparto multinacional.

Yo Hinomura es un artesano alfarero japonés, pero en realidad es también el brazo ejecutor de una secta ancestral china, un perfecto y frío asesino que sin embargo no puede reprimir sus lágrimas cada vez que comete un asesinato.

Una muy correcta adaptación del excelente manga, fiel al original salvo en algunos pequeños detalles, trasladando de esta forma una historia tremendamente original y emocionante a la pantalla. No es sin embargo la primera adaptación de la obra, pues ya se realizó una serie de anime en 1988 y dos películas ("Dragon from Russia" y "Killer's romance") en 1990, basados en el mismo manga.

El reparto está encabezado por un habitual de productos de acción de serie B, Mark Dacascos, y la desconocida Julie Condra; el mayor mérito de ambos radica probablemente en un razonable parecido con los personajes de las viñetas. Sí destacaría el elenco de secundarios, encabezados por el mítico Mako (sobran las presentaciones) y Tchéky Karyo ("Nikita", "Goldeneye", "Dobermann" y un larguísimo etcétera) y con varios rostros muy conocidos del mundo de la televisión.

Concluyendo, un entretenidísimo producto ideal para pasar un buen rato, repleto de acción y exotismo y que no debería defraudar a los fans del manga original. Y los que no conozcan el cómic, buena oportunidad para disfrutarlo.

El olor de la papaya verde (1993)

2009-08-25T19:45:00.002+02:00

Quiero regresar al magnífico cine del director Tran Anh Hung, en esta ocasión con su ópera prima "El olor de la papaya verde", cinta que le otorgó el reconocimiento internacional tras ser galardonada en Cannes y nominada al Óscar. Nada mal para un debutante, luego vendrían "Cyclo" y "Pleno verano" y a punto de estreno "I come with the rain". Lástima que un director de tanto talento sea tan poco prolífico.

En el Vietnam de mitad del siglo pasado, una niña campesina de diez años deja a su familia para trabajar como sirvienta en una casa de la ciudad. Allí será aleccionada por una anciana criada en todo lo relacionado con la cocina y como llevar el hogar.

Una vez más se demuestra que para hacer un gran cine no se necesitan de grandes presupuestos, exageradas pirotecnias, historias truculentas ni actores mediáticos. Con unos sencillos mimbres y mucho talento se pueden realizar películas como esta: maravillosas, coloristas, vivas, llenas de encanto y belleza. Una historia sencilla pero conmovedora, relatada de forma pausada y contemplativa y en donde destaca el poder casi hipnótico de sus imágenes, su música, sus sonidos (la escena en que la lluvia cae sobre el patio es, sencillamente, prodigiosa) y, más allá, casi podemos captar los olores y sabores que emanan de esas imágenes.

Tran Nu Yên-Khê -protagonista y esposa del director-, bellísima y sensual, es el centro sobre el que gira todo, con un guión medido para que no sobre una sola línea de diálogo, dando todo el protagonismo a la imagen, gracias a una fotografía exquisita que nos muestra como en auténticos cuadros la belleza y colorido de esas cosas tan cotidianas en las que nunca nos fijamos.

Una delicia para los sentidos, una cautivadora obra para paladear tranquilo y relajado, para llenarse de serenidad. Claro que no es este un cine que guste a todo el mundo, pero quien sepa disfrutarlo que aproveche que existen películas como esta.

Kamome Diner (2006)

2009-08-15T12:50:00.003+02:00

Esta película, que se podría traducir algo así como "La taberna de la gaviota" es, junto a "Megane" -su siguiente y, hasta ahora, último trabajo-, la cinta más conocida de la directora japonesa Naoko Ogigami, quien a sus treintaytantos años tiene una más que prometedora carrera por delante que habrá que vigilar muy de cerca.

Sachie es un mujer japonesa emigrada a Finlandia, donde a abierto una especie de cafetería-restaurante donde prepara sus comidas de estilo japonés. Pero todo comienzo es duro y al principio ni un solo cliente entra en el local.

Nos encontramos con una sorprendente película repleta de encanto, de una sencillez apabullante pero que es de esas que solo trasmiten buenas sensaciones. Una especie de película coral en la que los personajes más variopintos van haciendo su aparición y, aunque tal vez ninguno es imprescindible, todos se hacen necesarios, aportando cada uno su granito de arena para hacer que la película sea redonda.

Con el restaurante como punto de encuentro y la dueña como eje central de las relaciones entre todos los personajes, la historia va trascurriendo de forma plácida pero fluida, con una absorvente naturalidad y empleando la comida (qué importante esa relación cine-cocina) como un elemento más de comunicación . Y es la comunicación precisamente el punto clave de la película, como vehículo de amistad y de encuentro independiente de los problemas, aptitudes o personalidades de cada personaje.

En fin, sencillamente una película maravillosa. Un consejo: rodada en japonés y finés, creo imprescindible verla en versión original -benditos subtítulos- para captar en toda su plenitud el espítitu de la película.

Midnight my love (2005)

2009-08-10T13:30:00.003+02:00

Ya he comentado en varias ocasiones películas tailandesas, cine con -todavía- poca proyección internacional, pero que regularmente ofrece cintas de enorme calidad e interés. Un ejemplo de la madurez de este cine lo tenemos en esta película, tan brillante como desconocida a pesar de sus múltiples nominaciones a los premios nacionales de cine.

Un taxista con un oscuro pasado y cuya vida está regida por la monotonía, conoce a una prostituta a la que traslada en su taxi y con la que llega al acuerdo de encargarse de su transporte cada noche. De esta forma surge una amistad entre ambos que se irá haciendo cada vez más profunda.

Estamos ante un drama romántico de sorprendente intensidad, una historia tan hermosa como triste y magníficamente manejada, generando constantes giros y mezclando fantasía, pasado y realidad hasta el extremo de provocar en algunos momentos cierta desorientación en el espectador, que no obstante queda atrapado por la historia y sus personajes. Película compleja, -hay momentos que yo no he sabido como interpretar-, y en la que destacaría el final, uno de los finales más inolvidables del cine romántico reciente, lleno de sobriedad y elegancia.

En el reparto destaca un excelente Petchtai Wongkamlao, rostro muy conocido entre los aficionados del cine tailandés ("Ong Bak", "The bodyguard"), pero que sorprende con su registro, muy alejado de sus habituales papeles de corte cómico. También destacable la fotografía, bellísima sobre todo de la Bangkok nocturna, y maravillosa la banda sonora, que nos retrae a tiempos pasados.

Una película que yo no dejaría pasar, maravillosa a pesar de su complejidad, desconcertante, elegante, sincera y sensible, de esas que le tienen a uno atado al asiento hasta los créditos.

Returner (2002)

2009-08-06T20:23:00.002+02:00

Traigo esta película como muestra de lo que ocurre cuando el cine japonés busca el éxito comercial a costa de occidentalizar sus producciones aunque, eso sí, sin perder totalmente su estilo propio. Eso ocurre en "Returner", una de las cintas de ciencia-ficción más sorprendentes y, por qué no decirlo, más entretenidas llegadas del país nipón en esta década.

En el futuro, la raza humana está a punto de ser exterminada de una Tierra invadida por una belicosa raza extraterrestre. Un soldado de las guerrillas huye al presente en una máquina del tiempo con la esperanza de frenar la invasión y salvar a la humanidad.

Sin ningún tipo de pretensión artística, estamos ante un producto de puro espectáculo y entretenimiento, muy al estilo de las superproducciones americanas y plagado de detalles que recuerdan sospechosamente a algunas de las películas de ciencia-ficción más representativas. No obstante el resultado es casi brillante y logra con creces el que pasemos un rato divertido ante la pantalla, con intensos momentos de acción.

Los efectos especiales son más que aceptables, la historia bien manejada considerando de lo que se trata y en muchos momentos ofrece una estética y unas coreografías que recuerdan ese estilo manga tan propio del país del que procede. Pero sin duda lo más destacable es su pareja protagonista, formada por Takeshi Kaneshiro ("Fallen angels", "Red Cliff") y Anne Suzuki ("Hanna y Alice", "Aquiles y la tortuga"), dos de las caras más reconocibles del cine japo actual más allá de sus fronteras.

Lo dicho, pura diversión para una película en la que no hay que pedirle mucho más pero que resulta entretenidísima, y es ideal para ver con niños en una tarde de verano. a disfrutarla.

Déjame entrar (2008)

2009-08-02T20:12:00.004+02:00

Más de una vez he reconocido mi afición por el cine de terror, y dentro de éste, el género vampírico es sin duda uno de mis predilectos. Subgénero absolutamente renacido en los últimos tiempos a expensas de multitud de cintas y sagas supertaquilleras, ninguna reciente está a la altura de esta obra magna del sueco Tomas Alfredson, ganadora de innumerables premios en festivales internacionales.

El joven Oskar vive atormentado por el acoso a que es sometido por sus compañeros de colegio. Pero esta situación comenzara a cambiar tras conocer a su nueva vecina, una niña de su edad cuya llegada coincide con varios misteriosos asesinatos en la ciudad.

El punto más brillante de esta cinta es el renunciar a ser una simple película de vampiros para ir mucho más allá y convertirla en un auténtico relato social, en el que paralelamente a la historia de horror existe un fondo de drama cuyo peso recae sobre sus dos jóvenes protagonistas, ambos excelentes en sus papeles, trasmitiendo sentimiento a través de unos diálogos justos pero milimétricos y sugiriendo el resto con gestos y miradas.

Un guión sobrio que dota de "realismo" a la cinta y que nos sumerge con maestría dentro de una atmósfera agobiante y claustrofóbica de la que no se puede escapar y en la que todo va ocurriendo a su tiempo y sin precipitaciones ni artificios. Pocos golpes de efecto -algo de gore sí que tendremos- con un espectacular uso del encuadre que obliga al espectador a imaginar lo que está ocurriendo fuera de cámara(muy atentos al tramo final de la película). Sugerir antes que mostrar, algo tan valioso como olvidado en el cine moderno, sobre todo en el cine de terror.

En conclusión, casi una obra maestra -el tiempo dirá si lo es-, contundente, agobiante y relatada con sobriedad, pero que no será del gusto de todos. Una de las obras de referencia del cine europeo moderno.

2009-06-30T20:30:00.001+02:00

Death note (2006)

2009-06-29T19:23:00.004+02:00

Ambas películas, estrenadas sucesivamente a lo largo del 2006 en Japón, arrasaron en taquilla en el país nipón, demostrando el furor que existe en ese país por el manga de culto en el que se basa y ya se habla de un proyecto para un remake en EE.UU. No ha tardado en aparecer una secuela titulada "L: Change the world", que no es sino un spin-off de uno de los protagonistas.

Un estudiante encuentra por casualidad un extraño cuaderno y descubre que todo aquel cuyo nombre es escrito en él muere repentinamente. Comienza entonces a usarlo para acabar con todo tipo de delincuentes, conviertiéndose -anónimamente bajo el nombre de Kira- en una especie de justiciero aclamado por las masas pero perseguido por la justicia.

Basado en el aclamado manga de Tsugumi Ôba y Takeshi Obata, que ya dió lugar a una conocida serie de anime, la película -las dos partes se continúan estrictamente, por lo que podemos verla como una única película de más de 4 horas de duración- está a medio camino entre el thriller y el cine fantástico, con una historia realmente envolvente e interesante que no hace sino intensificarse a medida que se va desarrollando.

El núcleo de toda la historia lo forman el protagonista y su némesis L -un famoso y excéntrico detective, cuyo nombre y rostro no conoce nadie-, dos mentes extremadamente brillantes enfrentadas la una a la otra en un juego de estrategias que casi parece una partida de ajedrez. Un juego del ratón y el gato en el que queda inmerso el espectador.

Una cinta realmente entretenida, bien rodada y que resulta interesante incluso aunque no conozcas el manga ni el anime. Detalle curioso: la banda sonora incluye temas del conocido grupo Red Hot Chili Peppers.

Cerezos en flor (2008)

2009-06-24T21:33:00.002+02:00

Tras una semana de viaje -motivo por el que llevo tantos días sin escribir en el blog-, a mi regreso he aprovechado para ver una película que me habían recomendado varias veces pero que hasta ahora, por unas causas u otras, no había tenido ocasión de ver. Se trata de "Cerezos en flor", una reciente cinta a la estela de esas estupendas películas que nos llegan últimamente de Alemania, obra de la directora Doris Dörrie.

Trudi recibe la terrible noticia de que su marido tiene una enfermedad terminal. Decide no contárselo a él y le convence para realizar el que sería su último viaje juntos. Acuden a Berlín para visitar a dos de sus hijos, pero éstos están tan ocupados que apenas tienen tiempo para estar con ellos.

Estamos ante una película muy notable, cargada de sentimientos y que llega a emocionar abordando temas tan fundamentales como la muerte, las relaciones familiares, la amistad y, sobre todo, la soledad. Dos partes bien diferenciadas, la primera en Alemania, relatada con tono sobrio y elegante, y la segunda en Japón, poética y repleta de lirismo.

Destacable el trabajo actoral, pero debo reseñar, a mi entender, dos puntos débiles en la película. Por una lado, una factura técnica correcta pero que podría haber sido mucho más brillante. Por otro, un ritmo que en ocasiones peca de excesivamente lento y contemplativo en momentos en que esto no sería necesario.

En cualquier caso, una película bella, poética y que deja un sabor agridulce. No me cabe duda de que merece la pena verla.

El malvado Zaroff (1932)

2009-06-15T20:55:00.003+02:00

Basada en la obra más conocida del escritor Richard Connell, esta joya de la mítica RKO no ha pasado a la historia como merece, probablemente por dos razones: por un lado, la cinta fue recortada a poco más de una hora de duración para evitar escenas demasiado fuertes para la época y, sobre todo, por quedar a la sombra de esa obra maestra estrenada un año después y rodada por gran parte del equipo -tanto técnico como de reparto- de ésta e incluso compartir escenarios: hablamos de "King Kong".

Un famoso cazador viaja en un yate junto a unos amigos cuando naufraga en un peligroso arrecife. Consigue llegar a una isla, donde es hospitalariamente acogido por el conde Zaroff, misterioso noble de origen cosaco que habita una fortaleza portuguesa junto a sus sirvientes, y en la que también se encuentra una pareja de hermanos víctima de otro naufragio.

Un argumento sencillo pero extraordinario, para crear una obra maestra que, aunque no es demasiado conocida, sí ha sido copiada hasta la saciedad por obras posteriores. Combina eficazmente el thriller, el terror y el suspense, el cine de aventuras, un toque romántico y es capaz de crear espectacularmente una atmósfera densa e inquietante. La clave en todo esto es el misterioso y oscuro conde Zaroff, personaje de exquisita educación, cortés, culto, elegante e inteligente, pero a la vez oscuro y despiadado, un villano genial que en más de un análisis se ha comparado con el personaje del conde Drácula.

Técnicamente la cinta es impecable, con excelente fotografía en B/N, decorados muy conseguidos tanto de la fortaleza como los exteriores, una banda sonora que intensifica la tensión dramática acompañando perfectamente cada escena y un montaje idealmente planificado, consiguiendo altas cotas de suspense y cuyo único pero es que apenas dure 63 minutos.

Una auténtica obra maestra del cine, que se disfruta del primer al último minuto y cuya grandeza se demuestra en la extraordinaria influencia que ha tenido en el cine posterior, hasta el punto de que sus imitaciones son tantas que casi componen un subgénero del cine de terror.

The sniper (2009)

2009-06-14T13:39:00.002+02:00

Reconozco que tenía cierto temor, a la vista de la temática de esta película, de que no se se tratara más que de una especie de respuesta asiática a "Shooter", una buena cinta de Antoine Fuqua de 2007, pero nada más lejos de la realidad. Dante Lam nos demuestra que sigue en forma tras la excepcional "The beast stalker" y que debemos verle hoy por hoy como uno de los grandes referentes del cine de acción hongkonés.

La acción de centra en una unidad de francotiradores de la policía de HK. Un antiguo miembro de este grupo de élite termina su condena en prisión, y tiene como su primer objetivo la venganza contra el jefe de la unidad, al que acusa de ser el culpable de su condena.

Un argumento sencillo pero muy bien manejado, que sirve como excusa para una espectacular cinta de acción en la que además encontramos un meritorio fondo dramático marcado por las relaciones entre sus personajes. Tanto los personajes como estas relaciones -amistades, lealtades, traiciones y otras tan características del cine hongkonés- están suficientemente perfilados como para dar intensidad y profundidad a la historia y con ello permitir que la película sea mucho más que simples fuegos artificiales.

Desde el principio ya queda claro el terreno en que se mueve la cinta, con la espectacular escena en que es reclutado el joven personaje interpretado por Edison Chen ("Infernal affairs", "Initial D"), que no es sino el prólogo de una sucesión de escenas aún más impresionantes hasta culminar en un explosivo final.

Meritoria cinta de uno de los mejores exponentes del cine de acción actual, sin respiro y con varios momentos como para quedarse literalmente pegado al asiento. Queda claro que la acción hongkonesa se está renovando y por ahora va por el camino correcto.

Buscando un beso a medianoche (2007)

2009-06-11T20:44:00.002+02:00

La importancia del cine independiente radica en la demostración de que hace falta muy poco para trasmitir muchísimo, como ejemplo esta preciosa película, galardonada con varios premios y que demuestra que el cine norteamericano también es capaz de ofrecer grandes productos más allá de los fuegos artificiales de sus megaestrellas y sus superproducciones.

Un tipo al que las cosas no marchan demasiado bien, pone un anuncio en una web de contactos con la esperanza de no pasar en soledad la última noche del año. No tarda en responderle una enigmática mujer, con la que concreta una cita a ciegas.

Rodada con absoluta simplicidad de medios, la clave es una historia tremendamente sencilla sobre dos personas perdidas, solas y que únicamente necesitan un poco de cariño y de compañía. De esta forma se hace rápidamente cercana al espectador, al que engancha irremediablemente gracias al extraordinario magnetismo que irradian sus dos protagonistas, que desarrollan magníficamente unos personajes profundos, entrañables y llenos de sentimientos que proyectan más allá de la pantalla.

Sobre una fotografía dominada por tonos monocromáticos que aportan belleza y serenidad, junto a una maravillosa banda sonora que acompaña muy bien a toda la cinta, nos encontramos con un guión ágil, brillante y con espacio para la sorpresa, la comedia, la amargura, la amistad, el amor y muchísimas otras cosas; todo ello forma un conjunto sólido que dota a la película de un encanto que la hacen realmente especial y única.

Sencilla, humilde, pero también fresca, inteligente y con un toque de complicidad con el espectador, que seguro desearía cruzarse un día con personas como sus protagonistas. Una película absolutamente entrañable, muy recomendable, pero sobre todo para todo aquel que en un momento dado pueda sentirse muy solo.

Tokyo! (2008)

2009-06-07T18:12:00.002+02:00

Cuando nos toca enfrentarnos a una de esas películas que no son tales, sino que resultan de una recopilación de piezas independientes, hay que mirar con lupa y con cierto recelo, porque habitualmente, aún partiendo de una premisa común, estamos ante productos provenientes de directores de lo más heterogéneo, lo que supone con frecuencia producciones irregulares en la que lo mismo la brillantez de alguna de sus partes puede quedar oscurecida por la mediocridad de alguna otra. No es el caso de "Tokyo!", película que desde el punto de partida de la urbe nipona, reúne tres historias rodadas por dos directores franceses (Michel Gondry y Leos Carax) y otro coreano (Bong Joon-ho), que nos dan su particular y originalísimo punto de vista de lo que es -o puede ser- la vida en la capital del Japón.

Una pareja de novios llega a Tokyo, donde se encuentran con las dificultades para encontrar empleo y una vivienda adecuada. Un extraño personaje que habita en el alcantarillado de la ciudad. Un hombre que vive encerrado en su casa, aislado del mundo y que no quiere relacionarse con nadie. Son éstas unas pinceladas de las tres historias que encontramos en la cinta presentada en el último Festival de Sitges.

Absolutamente sorprendente esta película, que con la excusa de relatarnos tres historias centradas en la ciudad de Tokyo, nos ofrece un producto original, imaginativo y que encierra una enorme carga de crítica contra muchos aspectos de la sociedad moderna a través de unos relatos absolutamente subrealistas. Lo cierto es que la ambientación bien podría ser cualquier gran ciudad del mundo, pero por ello es Tokyo una ciudad perfecta para albergar las tres historias, por su carácter de gran urbe cosmopolita. En medio de esa vorágine de cemento, asfalto y millones de habitantes que devoran las personalidades y vidas de tanta y tanta gente, incapaces de adaptarse a una vida social cada vez más despersonalizada, aparecen pequeñas historias tomadas por estos tres directores para llevarlas al límite y hacerlas irreales.

Concluyendo, una película interesante, hasta cierto punto provocadora y sobre todo muy crítica con la sociedad moderna, atacándola desde diferentes ángulos con la perspectiva, creo, de hacernos reflexionar sobre lo que supone la vida en una de esas grandes ciudades.

After this our exile (2006)

2009-06-01T20:54:00.002+02:00

Después de un larguísimo paréntesis en labores de dirección, el hongkonés Patrick Tam -"My heart is that eternal rose" era su último trabajo, allá por 1989- regresó a esta faceta en 2006 ofreciendo el que es su mejor trabajo, un rotundo drama que ganó una decena de premios, incluídos varios Golden Horse, cinco premios en los Hong Kong Film Awards y otros dos en el Festival de Tokyo.

La trama, ambientada en Malasia, se centra en una familia con serios problemas de convivencia a causa del cabeza de familia, adicto al juego. Cuando su esposa decide abandonarlo, debe hacerse cargo de su hijo, con los problemas que supone para un hombre en su situación cuidar y educar un niño de corta edad, al que no tarda en ir involucrando en sus sucios asuntos.

Sensacional drama, tejido magistralmente a lo largo de sus dos horas de duración, en la que se narra con dureza los entresijos de una familia superada por la desgracia y su proceso de destrucción. Narrada desde el punto de vista del niño, el lado más frágil del triángulo, la película nos ofrece una historia tremendamente intensa aunque con un final algo irregular para lo que es el tono global de la película.

Destacan tanto la excelente factura técnica en todos los aspectos (sensacionales fotografía, montaje y banda sonora) como sobre todo las sobresalientes interpretaciones de sus protagonistas, encabezados por un magnífico Aaron Kwok ("The detective") y muy bien secundado por las bellísimas Charlie Yeung ("Seven swords") y Kelly Lin ("Sparrow"), aunque el joven actor que interpreta al niño tampoco desmerece en absoluto a pesar de ser este su primer papel.

Una película repleta de sentimientos, triste y melancólica, reflejo de una cruda realidad, pero absolutamente cautivadora, una joya que no debe dejar indiferente a nadie.

the fall (2006)

2009-05-29T17:40:00.002+02:00

Sorprendente la segunda película del director Tarsem Singh, cinta con la que triunfó en el festival de Sitges, como ya sorprendente fué su debut con "La celda". Proveniente del mundo de la publicidad y del videoclip, el director hindú empleó cuatro años para un rodaje a lo largo de más de una veintena de países.

Una niña internada en un centro hospitalario, conoce a un doble de cine, también ingresado por un grave accidente durante un rodaje. El hombre comienza a contar un relato a la niña que se prolonga a lo largo de los días y en los que se va mezclando la fantasía con su propia realidad.

La clave de esta producción es su desbordante fantasía, mezclando a partes iguales un cuento lleno de imaginación, desbordante colorido y personajes fabulosos con otra parte real que aporta el dramatismo necesario para hacer verosímil una cinta de corte fantástico.

Espectacular fotografía, bellísima, llena de paisajes oníricos deslumbrantes y coloristas, acompañado por una buenísima banda sonora y adornado por las excelentes interpretaciones de los protagonistas, sobre todo de la niña rumana Catinca Untaru, que dota de absoluta naturalidad a su encantador personaje. Más allá de lo puramente visual, que no es poco, la película se sazona con un toque dramático y moralista que la hace más interesante.

En resumen una película bellísima de ver, poco menos que un cuento de buenas noches y que irremediablemente te traslada a esos mundos de fantasía que se pierden tras la infancia. Un poco al estilo de la entrañable "La princesa prometida" pero bajo un trasfondo mucho más adulto.

Handphone (2009)

2009-05-23T21:15:00.000+02:00

Otra muestra excelente del thriller coreano, de lo mejorcito que ha aparecido por allí en lo que llevamos de año. Su director, Kim Han-min, continúa con su segundo largometraje -tras "Paradise 1986"- esa senda señalada por tantos directores del país asiático que lleva hacia un concepto de cine marcado por la frescura, la originalidad y el buen hacer.

Un representante artístico se enfrenta a un intento de chantaje a su joven estrella, cuando ella aparece en un comprometedor video erótico. Además él se encuentra en graves apuros con unos mafiosos a los que debe dinero y tiene serios problemas conyugales. Por si todo esto fuera poco, extravía el móvil donde guarda el video, y éste es encontrado por un singular personaje.

Como siempre, una película de una pieza donde todo encaja perfectamente en su sitio pero en la que no hay espacio para la previsibilidad. Un guión sólido, tremendamente original y sorprendente, más cercano al thriller psicológico que al de acción y donde el centro absoluto son los personajes, de una tremenda profundidad psicológica, inestables y cercanos a la locura, y cuyo enfrentamiento mantiene altísimas cotas de tensión durante toda la cinta.

Por supuesto que para ello es necesario un extraordinario trabajo de los actores, tanto los dos principales como la pléyade de secundarios que los rodean, en medio de una acción y suspense que van acentuándose a medida que avanza la historia, alcanzando un ritmo casi desenfrenado hacia el final de la cinta. Todo ello en el contexto de una factura técnica también excelente.

Concluyendo, una cinta que no hay que perderse, excelente desde el primer minuto y que no hace sino mejorar según avanza, para confirmar que estamos ante uno de los cines -el coreano- que mejor sabe hoy por hoy manejar el thriller y ante uno de los directores más prometedores de esta industria.

Spirit of Jeet-Kune-Do (2004)

2009-05-19T18:29:00.002+02:00

El director coreano Ha Yu, responsable de cintas como la comedia "Marriage is a crazy thing", la estupenda "A dirty carnival" y la reciente "A frozen flower", nos dejó en 2004 esta película cuya principal virtud es ser capaz de desmarcarse de las expectativas que puede generar a priori una película de su género para superarlas con creces, una de esas cintas que dan mucho más de lo que esperas de ellas.

Un joven estudiante se traslada a una nueva escuela, cuyo funcionamiento se rige por un status casi militar, en la que encuentra un ambiente difícil y hostil. Inspirado por la filosofía de su ídolo Bruce Lee (de ahí el título de la cinta, el Jeet Kune Do es el arte marcial que desarrolló Lee) tendrá que salir adelante a pesar de las dificultades en un salto hacia la madurez.

Muchos son los puntos fuertes de esta producción. Encontramos un guión sólido, perfecto desde el punto de vista narrativo y muy bien interpretado sobre todo por el personaje central de la historia, cuyo registro necesariamente va cambiando a medida que su personaje evoluciona. Como es habitual en el cine coreano, encontramos que la cinta mezcla varios géneros, pasando de la comedia ligera al inicio de la cinta hacia el drama con carga de crítica social, pero sin sobresaltos, con absoluta naturalidad.

Aunque el título y el cartel puedan llevar al engaño de que estamos ante una cinta de artes marciales, estas no son sino puntualmente un aderezo perfectamente integrado dentro de la trama dramática. Muy buena banda sonora, que se acopla perfectamente a la película y ayuda aún más a integrarnos en la excelente ambientación de finales de los años 70.

En resumen, una cinta más que interesante, de lo mejor que ha ofrecido el cine coreano en los últimos años -lo cual dice mucho a su favor- y que merece cuanto menos un visionado para empezar a conocer a uno de los directores más prometedores del cine asiático.

So close (2002)

2009-05-13T18:38:00.002+02:00

Ya he traído a este blog unas cuantas muestras del excelente cine de acción de Hong Kong, pero todavía no había tocado esa especie de subgénero en las que ellas son las protagonistas, mujeres tan bellas como expertas en las artes marciales y que han dado lugar a películas tan rotundas como "Naked weapon" o las sagas "In the line of duty" o "Iron angels", entre muchísimas otras.

Dos hermanas son expertas asesinas, las mejores, por eso son contratadas por un ambicioso y oscuro hombre de negocios para matar a su hermano y así quedarse con todo su imperio empresarial. Pero entra en el juego una terca e inteligente policía, que se pone tras sus pasos.

Todo un experto en el cine de acción como Corey Yuen ("Legend of the red dragon", "The transporter", "In the line of duty 2") dirige esta espectacular cinta, tremendamente poderosa desde el punto de vista visual, tanto por el trepidante manejo de la acción como por la deslumbrante belleza de sus tres protagonistas, por otra parte actrices de primera línea en el cine asiático moderno.

Son ellas -Shu Qi ("Metade fumaca"), Zhao Wei ("Painted skin", "Red Cliff") y Karen Mok ("Fallen angels", "Lost. Indulgence")- las que aportan su clase y su carisma a un guión más que suficiente para una película en la que lo que prima es el espectáculo por encima de todo, y donde el centro son unas coreografías absolutamente impresionantes, brutales y rodadas con un estilo moderno y muy visual.

Una gran película, vertiginosa, entretenidísima y en la que la acción no es el único aliciente para disfrutar de una cinta que es puro espectáculo desde el primer al último minuto.

Braindead (1992)

2009-05-12T18:45:00.003+02:00

La trayectoria de Peter Jackson, hoy por hoy uno de los directores y productores más importantes del mundo gracias al arrollador éxito de la trilogía "El señor de los anillos", comenzó en su Nueva Zelanda natal con productos prácticamente artesanales como "Mal gusto" y posteriormente "Braindead" (traducida incomprensiblemente en España como "Tu madre se ha comido a mi perro"), película con la que ganó un sinfín de premios en festivales de cine fantástico de todo el mundo y le permitió dar el salto a producciones de mayor presupuesto.

Un joven vive con su sobreprotectora madre, pero cuando ella es mordida por un mono-rata de Borneo y comienza una lenta trasformación en zombie, su relación con ella ya no será tan fácil. Y menos aún cuando otras personas van siendo infectadas por la madre y convirtiéndose también en muertos vivientes.

Estamos ante una película sorprendente, a mitad de camino entre el terror y la comedia. Muy al estilo del cine de Sam Raimi y su trilogía "Posesión infernal", el gore se hace dueño de la cinta -muchos la consideran la producción más sangrienta de la historia-, con un ritmo in crescendo hasta alcanzar el clímax con una secuencia final para la historia, absolutamente memorable y en la que se emplearon más de 300 litros de sangre falsa.

Así podemos resumir este filme, como sangre y más sangre, en un rodaje que compensa la falta de medios con una imaginación desbordante dando lugar a un guión que roza el delirio más absoluto. Efectos especiales de toda la vida, lo que hace la película aún más divertida y como curiosidad, la participación de la actriz española Diana Peñalver en esta cinta de culto.

Obviamente no al gusto de todos, estamos ante una cinta que puede resultar absolutamente desternillante para todo aquel que comparta mi sentido del humor (muy negro, por cierto), y es que yo pocas veces me habré reído tanto con una película. Memorable y creo que irrepetible.

Colour of the truth (2003)

2009-05-08T20:24:00.003+02:00

Regreso al cine hongkonés de la mano de esta cinta policíaca, dirigida por Jing Wong, uno de los habituales del cine de HK, ya sea como director, productor, guionista o como actor. Sin duda una de sus mejores cintas, con poco que envidiar a otras excepcionales muestras del cine de acción de aquellas latitudes como "The beast stalker", "Beast cops", "The longest night" -por citar algunas de las que ya he comentado en el blog- y tantísimas otras.

Un policía muere a manos de otro compañero cuando intentaba ayudar a escapar a un amigo de las triadas, que también es muerto durante el tiroteo. Años después, el hijo del policía fallecido entra en el cuerpo, donde se gana la confianza precisamente del asesino de su padre.

Estamos ante otra de esas producciones policíacas del nuevo cine hongkonés en las que, más allá de espectaculares escenas de acción, la trama se refuerza de unos personajes complejos y cercanos a la realidad, muy alejados de esos estereotipos del bueno o del malo. De esta forma la película gana una enorme profundidad e intensidad, creando tensión en cada diálogo, en cada acción, sencillamente en cada interacción entre los personajes.

El reparto en este tipo de cine es fundamental, y aquí nos encontramos a un Anthony Wong otra vez inconmensurable, bordando el complicadísimo papel de un policía en esa línea tan fina entre la ley y el crimen. Muy bien secundado por actores tan notables como Lau Ching Wan, Francis Ng o los jóvenes Ho-yin Wong y Jordan Chan, todos rayando a gran altura.

Pero para redondear este tipo de producciones son imprescindibles unas buenas escenas de acción, y aquí nos encontramos con un par de ellas realmente espectaculares, casi memorables, muy bien rodadas y que encajan a la perfección en la película, sin excesos y filmadas con absoluto realismo, sin necesidad de forzar situaciones solo para ofrecer acción, sino acompañando al devenir de la película.

En resumen, una muestra excelente de lo que debe ser el cine de acción, un película ideal para disfrutar durante hora y media del mejor cine policíaco y de un excepcional Anthony Wong, uno de los mejores actores que podemos encontrar hoy por hoy en Asia.

Hierro 3 (2004)

2009-05-06T19:13:00.002+02:00

Kim Ki-duk es sin duda uno de los directores más impactantes del cine actual, tan prolífico como original y capaz de ofrecernos películas donde los personajes, marcados por el amor, la tragedia y la violencia, son tan importantes o más que la propia historia que nos quiere contar, habitualmente en la frontera entre la realidad más dura y una irrealidad casi mágica pero que sabe ofrecernos con naturalidad.

Entre joyas como "La isla", "El arco" o "Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera", brilla con luz propia "Hierro 3" -Premiada en Venecia, Valladolid y San Sebastián-, mi favorita entre toda su filmografía. En ella, un joven indigente sobrevive habitando casas cuando sus dueños se encuentran ausentes. Un día, su vida se cruza con la de una bella mujer que vive bajo la tortura de los malos tratos que sufre de su marido.

Auténtica obra maestra, KKD nos ofrece una auténtica maravilla de película, una genialidad donde el amor cobra una dimensión única y absorvente, entre dos personas maltratradas por la vida y cuyo sufrimiento les une por vínculos tan sólidos como invisibles. Un amor tan poderoso que ni siquiera la palabra les es necesaria, sirve con tan solo un gesto o una simple mirada.

La narración resulta tan perfecta que puede permitirse largos silencios y apenas unas pocas frases de diálogo durante toda la película para trasmitir su historia y con ella una pléyade de sentimientos, sin perjuicio de un espectador que se siente irremediablemente atado a los personajes. Pocas películas pueden trasmitir tanto solo con la imagen y con los movimientos y gestos de unos actores que saben comunicar en cada momento las sensaciones necesarias para hacer absolutamente cercana una película que cuenta mucho más de lo que parece.

Con esta películas queda claro el dicho de que "una imagen vale más que 1000 palabras". Una proeza visual, un deleite para los sentidos, sin duda una de las obras más brillantes de lo que llevamos de siglo XXI.

Paprika (2006)

2009-05-05T19:23:00.004+02:00

Después de unos días de ausencia, regreso para presentar la, hasta la fecha, última película de Satoshi Kon, director japonés que, pese a haber dirigido tan solo cuatro largometrajes ("Perfect blue", "Millenium actress", "Tokyo godfathers" y "Paprika") y una serie de anime (Paranoia agent), hay que considerar como un valor seguro dentro del mundo de la animación por la extraordinaria calidad exhibida en cada uno de sus trabajos.

Un científico psiquiatra desarrolla una máquina para la terapia de sus pacientes que permite introducirse dentro de sus mentes. Cuando uno de los prototipos es robado y utilizado para destruir la mente de sus creadores, comienza una investigación para averiguar quién es el responsable del robo y detenerlo cuanto antes.

Detrás de cada trabajo de S.K. se muestra una portentosa imaginación y talento, ofreciéndonos historias poderosas, complejas y tremendamente atrayentes para el espectador, que se ve obligado a prestar absoluta atención a cada fotograma para poder seguir una compleja trama repleta de detalles y simbolismos que generan un complejo puzzle en el que las piezas van encajando poco a poco hasta completarse.

Un trabajo de animación impecable, lleno de paranoias, en el que la fantasía se convierte en el centro absoluto de una trama absolutamente envolvente y surrealista, y donde juega de forma magistral con una dualidad sueño-realidad donde todo es posible. De este modo, el espectador se ve atrapado en un mundo inicialmente confuso pero que poco a poco va comprendiendo haciéndose partícipe de una historia extraordinariamente rica y llena de matices.

Onírica obra maestra de uno de los genios de la animación nipona actual. Cine de dibujos para adultos a la altura de las mejores producciones del cine de no-animación. En mi opinión, absolutamanete imprescindible.

Deliciosa Martha (2001)

2009-04-24T21:05:00.002+02:00

Alemania desde siempre ha contado con un interesante potencial cinematográfico (recordemos el expresionismo alemán) y últimamente, aunque no de forma masiva, sí que nos han ido llegando con cierta regularidad producciones más que interesantes, como la que hoy nos ocupa, cinta con la que Sandra Nettelbeck se dió a conocer en el panorama europeo.

Martha es la chef de un importante restaurante, metódica y muy exigente. Pero un dramático suceso y la entrada en su cocina de un extrovertido cocinero italiano harán que tenga que replantearse su forma de enfrentarse a la vida.

Interesantísimo y muy entretenido producto a medio camino entre el drama y la comedia romántica, donde además de la imagen y el sonido (excelente también la banda sonora), cobran gran importancia los olores y sabores, que prácticamente llegan al espectador. Un auténtico espectáculo dentro y fuera de la cocina, un lugar que se está convirtiendo en plaza para maravillosas películas ("Rattatouille", "El olor de la papaya verde"...).

Clave para que esta película funcione tan bien es su pareja protagonista, formada por Martina Gedeck ("Partículas elementales", "La vida de los otros") y Sergio Castellitto ("La estrella que no cesa", "No te muevas"). Ambos están maravillosos, representando dos polos tan opuestos como son la frialdad germana y la calidez mediterránea pero dando lugar a una química formidable entre ambos.

Película clave en el cine europeo reciente, fantástica tanto por su ágil y entretenido planteamiento, como por su maravilloso reparto. Una auténtica delicia para los sentidos, muy por encima de "Sin reservas", su copia made in USA, y eso tengo que reconocer que yo me derrito con Catherine Zeta-Jones.

Red Cliff (2008-2009)

2009-04-19T22:36:00.004+02:00

El esperado regreso de John Woo a Hong Kong no podía ser mejor, ofreciéndonos de forma sucesiva estas dos películas -aunque hay que entenderlas como un todo que ha sido dividido en dos debido a su larga duración, algo así como cuatro horas y media- basadas en una famosa batalla que tuvo lugar durante el período conocido como de "Los tres reinos" y que inspiró además una de las obras clásicas de la literatura China.

Ambientada en el siglo III, cuando un ambicioso y poderoso jefe militar se marca como objetivo la unificación de los tres reinos bajo su dominio. Amparado por un poderosísimo ejército, solo la alianza entre los otros dos reinos y la inteligencia y valentía de sus gobernantes podrían hacerle frente ante la inferioridad de sus tropas.

Espectacular es la palabra que mejor puede definir esta superproducción. Ambas partes están repletas de espectaculares escenas multitudinarias, donde cientos o miles de extras trabajan con asombrosa coordinación, dando pie a increíbles batallas a campo abierto en las que podemos asombrarnos con un excepcional manejo de la cámara para mostrarnos fabulosas coreografías donde todo tiene lugar. Y esto además sin olvidarnos la maravillosa recreación de la batalla naval.

El reparto tiene como grandes protagonistas a Tony Leung y Takeshi Kaneshiro, dos de las megaestrellas del cine asiático actual, que ya habían compartido cartel en "Chungking express" y "Confession of pain", rodeados de otros actores tan importantes como Chang Chen, Shido Nakamura, Zhao Wei o Zhang Fengyi, todos rayando a gran altura y componiendo personajes absolutamente carismáticos.

Por si todo esto fuera poco, la historia es absolutamente absorvente, rodada con maestría y envuelta en una fantástica banda sonora, consiguiendo que el ritmo no solo no decaiga ni un solo instante en sus más de cuatro horas, sino que su intensidad va en aumento según nos acercamos al final hasta el punto que merece la pena ver las dos partes seguidas.

Auténtica obra maestra, una auténtica lástima que John Woo haya estado tanto tiempo perdido. Ahora que ha retomado el camino correcto, esperemos que no vuelva a perderlo y siga ofreciéndonos joyas cinematográficas como esta.

A man who was Superman (2008)

2009-04-17T13:23:00.002+02:00

El cine coreano sigue demostrando un excelente estado de salud, ofreciéndonos con cierta regularidad películas que, aún muy alejadas del cine de autor y rodadas de forma evidente hacia una vertiente comercial, muestran calidad, originalidad y un estilo que las aleja claramente de ese cine plano que solo genera un rato de entretenimiento a cambio de un olvido casi inmediato.

Jeong Yoon-chul, responsable de la también muy interesante "Marathon", dirige la historia de una joven periodista que conoce casualmente a un hombre que, afirmando ser Superman, dedica su vida a ayudar a todo aquel que lo necesita. Sin pretenderlo, ella se irá compromentiendo cada vez más en la historia de este extraño hombre.

Lo realmente interesante de casi todo el cine coreano más reciente, es la increíble habilidad para mezclar géneros, a veces totalmente opuestos, sin provocar una colisión entre ellos. Aquí pasamos con suavidad de la comedia al drama, entre medias una sutil historia de amor, con el resultado de una historia interesante y magnética desde el principio hasta la última escena, por supuesto impregnada de una gran banda sonora, además de una ácida crítica hacia la sociedad moderna.

También interesante el trabajo actoral, que reúne a dos grandes del cine coreano. Por un lado la bellísima Jeon Ji-hyun ("My sassy girl", "Il mare"), que aunque su papel no es tan brillante e intenso como otras veces, rezuma encanto en cada plano en que aparece. Por el otro, Hwang Jeong-min ("A bittersweet life", "You are my sunshine", "Happiness") realiza un trabajo memorable, componiendo con brillantez un personaje tan complejo como entrañable.

Una película que, lejos de ser una obra maestra, sí es una cinta más que interesante, muy entretenida y que a pesar de su carga crítica deja una puerta abierta para la esperanza. Después de verla, contestadme: ¿dónde reside de verdad la locura, en el protagonista o en esta sociedad que nos rodea?

Beast cops (1998)

2009-04-14T18:42:00.002+02:00

Esta potente cinta policíaca hongkonesa, co-dirigida por dos grandes como Gordon Chan ("Painted skin") y Dante Lam ("The beast stalker"), se ha convertido en un referente del cine moderno de acción y arrasó en su año en los premios de cine de HK con cinco premios -incluídos mejor película, director y actor- y otras tres nominaciones.

Un policía corrupto hasta las cejas, un nuevo jefe de policía íntegro y obsesionado con su trabajo que se enamora de una prostituta, un jefe de las triadas que debe esconderse un tiempo, un joven y ambicioso delincuente que quiere ocupar el lugar de este... así es el día a día de los bajos fondos de Hong Kong.

Una meritoria película, absolutamente soberbia, de lo mejorcito rodado en Asia en los 90 dentro del género. Y es que entre sus méritos debemos contar no solo con la espectacular acción que siempre acompaña a estas cintas, sino también con una historia sólida que combina otros elementos que la hacen más cercana a la realidad y humanizando a unos personajes que para nada son simplemente "el bueno" o "el malo", sino que están cargados de matices que los hacen más cercanos al espectador.

Un rodaje ágil y un dominio de la acción que nos deja escena escenas realmente memorables, sobre todo en el tramo final de la cinta, adornada con unas actuaciones absolutamente excepcionales por parte de casi todos los componentes del elenco, pero donde destaca sobremanera el gran Anthony Wong, que retrata un personaje oscuro y complejo -el de un policía corrupto, casi más cercano a las triadas que al propio cuerpo- que casi nos provoca tanta atracción como rechazo.

Un clásico más en la cuenta del cine de HK, pura acción al servicio de la historia -como debe ser, y no al revés como tantas veces nos ofrecen- para una película imprescindible.

Legendary assassin (2008)

2009-04-07T19:35:00.002+02:00

El cine hongkonés nos sigue proponiendo excelentes películas de acción, a menudo muy bien aderezadas con artes marciales excepcionalmente coreografiadas. Uno de los últimos ejemplos es esta película, que supone a la vez el debut como director de su joven estrella protagonista, Wu Jing, uno de los llamados a ser estrella del cine de artes marciales y que ya ha intervenido en cintas como "S.P.L." o "Invisible target".

El protagonista es un asesino profesional que actúa en una pequeña ciudad acabando con la vida de un importante narcotraficante. Durante su estancia en esa ciudad, entabla casualmente relación con una guapa policía, al mismo tiempo que los secuaces del narco inician una persecución implacable para acabar con él.

Lo que debe quedar claro es que esta cinta es vehículo de lucimiento de su estrella (director-protagonista) y por ello hay que verla como lo que es, puro espectáculo de artes marciales. Excelentes coreografías para una historia de acción espectacular y bien rodada, en la que no hay tiempo para el aburrimiento. Un guión suficiente para dar sentido al espectáculo y en el que también hay lugar para la correspondiente historia romántica.

El otro punto destacable de la cinta es su guapísima protagonista, Celina Jade. Aunque ese nombre a más de uno le pueda sugerir que sea de una actriz del porno, lo cierto es que se trata de una conocida cantante que debuta ante las cámaras en esta cinta. Buena su interpretación, atreviéndose incluso a entrar en alguna de las escenas de acción, y mostrando una belleza que eclipsa todo lo demás cada vez que aparece en la pantalla.

Concluyendo, una excelente cinta de acción, puro entretenimiento que nos demuestra que en HK siguen dominando como en ningún sitio las artes marciales en el cine.

Shutter (2004)

2009-04-04T20:35:00.002+02:00

A la estela del gran éxito del cine de terror japonés que traspasó todas las fronteras y dió renombre mundial a directores como Hideo Nakata ("Ringu", "Dark water") o Takashi Shimizu ("Ju-on"), se rodaron películas seguidoras de este estilo en otros países como Corea ("A tale of two sisters"), Hong Kong ("The eye") o Tailandia ("Shutter"), sin contar la producción masiva de remakes en EEUU.

Un joven fotógrafo comienza a notar la presencia de seres espectrales que puede captar a través de su cámara. El origen de esto parece ser un accidente de automóvil que sufrió junto a su novia, en el que dejaron abandonado a alguien al que atropellaron.

Impregnada, como ya dije, del estilo de terror tan característico del cine japonés, lo cierto es que en esta película aparecen todos esos tópicos tan habituales, pero también es cierto que manejados con brillantez. Así, el resultado final nos deja una de las mejores cintas de terror recientes, con momentos de tensión realmente intensos y algunas escenas realmente memorables.

Técnicamente muy bien conseguida, con un guión interesante y bien rematado, correctas interpretaciones y un ritmo ágil que mantiene en el espectador una atención creciente. Todo esto da como resultado una película más que recomendable, de una calidad que, en mi opinión, no ha conseguido ninguna otra producción de terror de las muchas rodadas posteriormente en Tailandia.

Una película para disfrutar del mejor terror asiático. Una de esas cintas de sustos que sin pasar a la historia como una obra maestra sí que dejará esa agradable sensación que solo produce el miedo.

Tron (1982)

2009-04-03T21:17:00.002+02:00

Determinadas películas, por adelantarse a su época, son incomprendidas y fracasan entre el público y la crítica, y solo el paso del tiempo acaba por ponerlas en su sitio, convirtiéndolas en cintas de culto. Un ejemplo paradigmático de esto es "Tron", producción de la Disney que a pesar del fracaso en su estreno, ha acabado convertida en un auténtico icono de la ciencia-ficción.

El protagonista -interpretado por Jeff Bridges- es un brillante informático que es digitalizado y transportado a los circuitos de una supercomputadora en la que los personajes no son sino los programas informáticos que contiene, y que es controlada por un malvado software.

La auténtica revolución de esta película es que fué una de las pioneras en la utilización de gráficos generados por ordenador, dando lugar a un estilo visual único que posteriormente ha sido copiado hasta la saciedad (Aún no conociendo esta película, ¿quién no ha visto la famosa escena de la competición de motos de luz?). El proceso de creación y edición fue tremendamente laborioso debido a lo rudimentario de la informática por entonces y a las complejas técnicas que se precisaron para mezclar imagen real, efectos especiales tradicionales y los novedosos efectos digitales, de hecho algunas de esas técnicas no volvieron a emplearse.

Más allá de estos detalles que la convierten en una película única, se trata de una cinta realmente entretenida a la que lo único que podemos achacar es a lo "obsoleta" que se ha quedado, algo lógico considerando el avance de las técnicas digitales en el cine en estos casi 30 años y lo acostumbrados que estamos al uso -y abuso- en la actualidad de los efectos generados por ordenador en cualquier película, de un realismo apabullante. De todos modos, ese aire "retro" dota de un enorme encanto a la película, plagada además de multitud de pequeños detalles y curiosidades (echad un vistazo a la Wikipedia).

Una película irrepetible, mágica, digna de ver aunque solo sea por curiosidad histórica. Los rumores sobre una segunda parte son incesantes desde hace años, pero parece que quieren cristalizar para el 2011. Veremos.

Sad movie (2005)

2009-04-02T21:10:00.002+02:00

Pocas veces el título de una película dice tan poco sobre cuál es su contenido y tanto sobre cómo es ese contenido, porque es cierto que ésta es una película triste, muy triste, una de las mejores producciones de 2005, que nos recuerda el altísimo nivel alcanzado por el cine coreano en general y por sus dramas en particular. Una lástima que desde esta cinta, su director Kwon Jong-kwan no haya vuelto a ofrecernos otro trabajo.

Se nos presentan cuatro historias de amor entrecruzadas, diferentes tipos de amor pero amor al fin y al cabo. Y cada una, con sus momentos dulces y sus momentos amargos pero todas, de una u otra manera, en uno u otro momento, marcadas por la tragedia.

Nos encontramos ante una excepcional película coral donde casi todo es realmente brillante. Empezando por el argumento, perfectamente trenzado sobre unas historias sencilla, tiernas y llenas de encanto que encajan entre ellas a la perfección sin resultar forzadas. Excelente el reparto, donde cada actor cumple de maravilla con su papel, ayudados por un guión que define maravillosamente cada personaje. También excelentes fotografía y banda sonora -que acompaña a la perfección cada escena-, un montaje perfecto que evita que el espectador pueda perderse en el cruce entre historias y un ritmo ágil que no decae en ningún momento y que gana fuerza dramática a medida que avanza el metraje. Por ponerle un pero, ciertos momentos resultan previsibles, lo cual tampoco resta gran mérito al resultado final del filme.

Concluyendo, una película que nadie debe dejar de lado, brillante en todos los aspectos y llena de sentimiento y drama hasta el punto que serán pocos los que puedan evitar derramar alguna lágrima viéndola o al menos sentir una aguda punzada en su corazón.

Cannibal ferox (1981)

2009-03-31T16:06:00.003+02:00

Hoy voy a entrar en un género muy controvertido y criticado, el de caníbales en la selva, nacido en Italia en los años 70 a partir del género mondo -documentales que mostraban costumbres exóticas de otros países- y que llegó a gozar de un notable éxito sobre todo de la mano de Umberto Lenzi, director de esta cinta, y de Ruggero Deodato, autor de "Holocausto caníbal", película mítica -por polémica- donde las haya.

Una joven universitaria prepara su tesis doctoral en antroploogía sobre la base de que el canibalismo es solo un mito y que realmente nunca existieron tales prácticas. Para ello prepara una expedición junto a su hermano y una amiga a una zona de la selva donde se rumorea que años atrás se dieron varios casos de canibalismo.

Probablemente la película más redonda del género, tremendamente polémica -fué prohibida en una treintena de países-, gozó de gran éxito y supuso la cinta más famosa de Lenzi, el creador del género (con "El país del sexo salvaje", en 1972). A pesar del bajo presupuesto de este tipo de producciones, está rodada más que decentemente, con efectos especiales bastante conseguidos, una buena banda sonora, buenas interprestaciones, un ritmo ágil y entretenido y, lo más interesante, un tono irónico muy marcado, con una crítica social más que evidente que nos deja un final realmente brillante.

Obviamente, no se trata de una película adecuada para cualquiera, exige un buen estómago y cierto gusto por el cine gore, pues está repleto de escenas muy fuertes y rodadas de forma absolutamente explícita, crueles y sádicas hasta decir basta, que incluyen cosas tales como evisceraciones, mutilaciones, torturas y asesinatos y otras cosas que conviene no desvelar. Lo que sí debo avisar es que en todas estas películas aparecen escenas de extrema crueldad hacia animales que normalmente NO son efectos especiales.

No apta para todos, pero una película que merece la pena ver al menos para conocer algo sobre un género denostado pero que también tiene sus adeptos y que forma parte de la historia del cine. Ésta es probablemente lo mejor del género, por encima incluso de otras que son más conocidas por todo los que las rodea más que por la película en sí (ya sabéis a cual me refiero).

Okuribito (2008)

2009-03-29T12:05:00.003+02:00

Con esta película Japón conquistó hace solo unas semanas el Oscar a la mejor película extranjera, después de más de 50 años sin lograrlo. La última había sido "Miyamoto Musashi", de Hiroshi Inagaki, en 1956, y previamente ya lo habían hecho "Rashomon" (1951), de Akira Kurosawa y "La puerta del infierno" (1954), de Teinosuke Kinugasa. Ya que repasamos la trayectoria del cine japonés en estos premios, no olvidemos "El viaje de Chihiro" de Hayao Miyazaki (Mejor película de animación en 2003) y "Dersu Uzala" (aunque de Kurosawa, ganó en 1975 representando a la U.R.S.S.).

Un joven músico pierde su trabajo tras disolverse la orquesta en la que tocaba, por lo que decide abandonar Tokio y volver a su ciudad natal acompañado de su esposa. Allí inicia la búsqueda de un nuevo empleo y acaba siendo contratado por una empresa funeraria.

Aunque la muerte ha estado muy presente desde siempre en el cine, como parte indisoluble de la propia vida, lo cierto es que muy pocas películas la han tratado desde el punto de vista que lo hace esta. Solo recuerdo otras tres películas centradas en el mundo funerario, pero todas rodadas en clave de comedia. Aquí se trata la muerte con el más absoluto de los respetos y con una sensibilidad absolutamente exquisita, con seriedad y buen gusto aunque sin renunciar a algunos toques de humor negro que suavizan el tono dramático de la cinta.

Destacadísimo el trabajo actoral, encabezado por Masahiro Motoki ("The bird people in China") y Tsutomu Yamakazi (quien curiosamente ya trabajó en 1984 en "El funeral", de Juzo Itami). Sobresaliente el manejo del ritmo de la película por el director -más de dos horas de metraje que trascurren de forma plácida y pausada, pero sin que decaiga el interés ni un solo instante- y excepcional la banda sonora, otra maravilloso trabajo de Joe Hisaishi, que acompaña a la perfección cada momento de la película. Un resultado global, a todas luces, excelente.

Grandísima película, de las que dejan huella, de esas que saben tocar la fibra sensible solo lo justo. Desde ya una de mis películas favoritas de siempre.

Hard candy (2005)

2009-03-26T19:24:00.003+01:00

En 2005 el debutante David Slade ("30 días de oscuridad"), un habitual de los videoclips, ofreció esta sorprendente ópera prima, un thriller psicológico con cierto aire al cuento de caperucita roja -no hay más que ver el cartel- y que acaparó premios en Sitges y en otros festivales internacionales.

Una adolescente conoce a través de internet a un fotógrafo treintañero. Queda con él para conocerse y accede a acompañarle a su casa. Pero la joven ni mucho menos es tan inocente como aparenta.

Estamos ante una película potente, intensa y perturbadora, muy perturbadora. Aún no siendo ni mucho menos perfecta -se nota la mano de un debutante-, sí consigue una atmósfera realmente inquietante, con giros interesantes y manteniendo un interés creciente toda la cinta. Desarrollada casi en su totalidad en un único escenario, la fuerza de la película reside en un planteamiento inicial original y provocador, un inteligente guión de diálogos afilados y sobre todo en la química de la pareja protagonista, donde destaca la entonces desconocida Ellen Page ("Juno").

Punto y aparte merece esta actriz, de lo más prometedor en cuanto a jóvenes actores del cine moderno, y que aquí recrea un personaje complejo, retorcido, manipulador, una suerte de lolita moderna, morbosa y encantadora pero que detrás de su aparente inocencia esconde una mente fría y calculadora. Merece la pena ver esta película solo por ella.

Una película que precisamente por provocadora generará división de opiniones, pero que mantiene atento y en tensión a un espectador que no quedará indiferente.

Ichi the killer (2001)

2009-03-25T19:46:00.002+01:00

Si ya en cierta ocasión comenté el lado más amable del director japonés Takashi Miike -faceta, por cierto, en la que se prodiga muy poco-, hoy me paso al otro extremo, su lado más oscuro y violento, con una de las películas internacionalmente más conocidas de este prolífico y revolucionario director de culto.

La desaparición con una fuerte suma de dinero de un jefe yakuza, pone en marcha su búsqueda por parte de su banda, encabezada por el cruel Kakihara, que no dudará en matar y torturar para conseguir su objetivo. Detrás de esta desaparición se encuentra un trastornado asesino llamdo Ichi, controlado por otro jefe yakuza, Jijii.

Violencia. Con esto podría resumir la película. Pero no simplemente violencia, sino con una carga de crueldad y sadismo difíciles de imaginar, en una película repleta de personajes completamente marcados por ella. Y Miike no duda en mostrárnosla explícitamente, hasta el punto de que más de un espectador -y más de dos, seguro- se sentirán incómodos viéndola. Torturas, violaciones, mucha sangre, vísceras, mutilaciones y cualquier cosa imaginable por una mente enferma tiene cabida en la película.

Excepcional Tadanobu Asano ("Picnic", "Zatoichi", "Mongol") en el papel protagonista, bien secundado, destacando también la aparición de Shinya Tsukamoto, conocido por ser el director de "Tetsuo", obra clave del ciberpunk japonés. Buena factura técnica, ritmo trepidante, aunque tampoco excesivo y una cierta carga de humor negro, para un filme que no dejará indiferente a nadie y con un final absolutamente desconcertante.

Interesante película, basada en un conocido manga, que nos adentra en el lado más oscuro y radical de Miike, solo apta para corazones sanos que no vayan a sufrir con sus excesos.

Aquiles y la tortuga (2008)

2009-03-22T15:14:00.002+01:00

Muy lejos parecen quedar ya aquellas películas de yakuzas que dieron fama y reconocimiento en todo el mundo a Takeshi Kitano, probablemente el director japonés más importante de las últimas décadas y sin duda el más conocido fuera de sus fronteras. Últimamente nos ha presentado una etapa de cine muy personal y con claros tintes autobiográficos, iniciada con "Takeshi's", continuada con "Glory to the filmmaker!" y ahora con "Aquiles y la tortuga".

La cinta nos narra la vida a través de tres etapas -infancia, juventud y madurez- de Machisu, un aficionado a la pintura que convierte esta actividad en el centro de su vida y trasforma en auténtica obsesión la idea de alcanzar la gloria y la fama como pintor.

Si en "Takeshi's" nos mostraba una surrealista aproximación a su dualidad como persona-celebridad y en "Glory to the filmmaker!", se centraba en su faceta como director de cine, ahora le ha tocado el turno a esa otra gran afición suya por el arte, la pintura -faceta la suya como pintor que desarrolló a raíz de un grave accidente y que ya mostró en la excelente "Hana-bi", película con la que ganó el León de Oro-, mostrándola inteligentemente desde casi todos los puntos de vista posibles: el artista consagrado, el que busca serlo, el aficionado, el crítico, el comprador de arte, etc.

Aún rodada en un tono cómico, no deja de ser un humor ácido y tremendamente crítico, a veces muy negro, pero ofreciéndonos una película llena de reflexiones que van de la mano de momentos absolutamente delirantes. Una película absolutamente digna de un genio y que solo podría haber rodado alguien del talento de T.K. Una muestra excepcional de lo que es la búsqueda de la propia identidad y del significado de la existencia, aquí llevado al extremo por el memorable personaje central de la película, alguien que identifica el arte como el centro de esa existencia.

Una película digna de forma parte de esa filmografía excepcional que ha compuesto Kitano, una película que gustará más o menos, pero que contiene mucho más de lo que aparenta. Otra obra maestra del genio.

The untold story (1993)

2009-03-16T21:20:00.004+01:00

Una semanita llevo ya sin escribir en el blog; mucho trabajo que no me deja tiempo para casi nada. En estos casos, para "relajarse" un poco, nada mejor que un buen Categoría III que nos amenice el rato con sus excesos y sus atrocidades. Quien siguió mi recomendación y se atrevió con "Run and kill", aquí tiene otro ejemplo -también del 93, gran cosecha-, tanto o más radical que aquélla.

En una playa de Macao aparecen varios restos humanos. La policía comienza la investigación, pero nunca podrían imaginar hasta dónde llegan los horrores cometidos por el criminal, un despiadado y sádico psicópata que ahora regenta un comercio de alimentación.

Esta película, una de las obras cumbres del género, gira en torno al personaje magistralmente interpretado por esa leyenda del cine hongkonés que se llama Anthony Wong, una actor con más de un centenar de películas a sus espaldas -para quien no conozca demasiado del cine asiático, hace poco le pudimos ver en "La momia 3"- y que aquí retrata espectacularmente el papel de un asesino frío y calculador, cruel y despiadado, inteligente y manipulador, incontrolable y absolutamente enfermo, un auténtico psicópata, sádico como pocos, y que hará las delicias de los fans de este tipo de personajes.

El tipo en cuestión va cometiendo una atrocidad tras otra, mientras un equipo policial de lo más variopinto -prácticamente son una parodia de lo que deberían ser-, va tras su pista. El jefe de la policía es interpretado por Danny Lee, otro habitual del cine de HK, que aquí también hace las labores de director. El resultado es tan grotesco que casi da un aire cómico a la cinta.

Película impactante, extrema y enfermiza, pero absolutamente recomendable (absténganse menores y personas sensibles). Un personaje de los que dejan huella; yo personalmente nunca olvidaré esas gafas de pasta.

Rapsodia en Agosto (1991)

2009-03-08T19:55:00.004+01:00

Después de un período muy difícil, el genio de Kurosawa resurgió de sus cenizas para ofrecernos unos últimos años auténticamente esplendorosos, cuyo inicio queda marcado por la sensacional "Dersu uzala", y en los que volvió a ofrecer auténticas joyas como ésta su penúltima película, donde trata un tema tan sensible como es el holocausto nuclear de Hiroshima y Nagasaki durante la II Guerra Mundial.

Cuatro jóvenes pasan el verano en Nagasaki en casa de su abuela, superviviente de la explosión atómica que arrasó la ciudad 45 años atrás y en la que perdió a su marido, mientras los padres de los niños se encuentran en Hawaii para conocer a un hermano de la abuela al que ella no ha visto desde que eran niños y al que ni siquiera recuerda.

Una auténtica obra maestra, que trata de forma absolutamente exquisita el holocausto nuclear que arrasó Japón y puso fín a su participación en la guerra. Lo trata de forma excepcional, sin recurrir a la lágrima fácil ni a otros excesos, pero dejando claro que el dolor que provocó jamás debe ser olvidado para evitar que pueda repetirse. Perdonar, pero no olvidar, parece querer decirnos el maestro, que además deja caer otros temas tan esenciales como el respeto a los ancianos, la importancia de la familia y el trasmitir esos valores a las generaciones venideras. La película termina con una escena absolutamente memorable que representa tantas cosas que solo un auténtico genio del celuloide podría firmar.

Magistral película, tierna y simpática pero al mismo tiempo dura y dolorosa. Imprescindible, genial y absolutamente maravillosa. Como curiosidad, la aparición en un pequeño papel del popular actor norteamericano Richard Gere.

Adrift in Tokyo (2007)

2009-03-07T19:51:00.002+01:00

Hace casi dos meses me encontré con una obra muy interesante de un director japonés que hasta entonces no conocía, Satoshi Miki. Con "In the pool" me sorprendió agradablemente y ahora a vuelto a entusiasmarme con una sensacional película, la última que ha rodado hasta la fecha, titulada "Adrift in Tokyo" o, lo que es lo mismo, "Un paseo por Tokio".

Un joven estudiante debe una importante cantidad de dinero que no puede pagar, es entonces que el tipo que tiene que cobrarle, le ofrece un extraño trato que le exonera de su deuda. Se trata de acompañarle en un paseo por la ciudad de Tokyo, aunque no le indica destino ni duración.

Esa extraña originalidad que caracteriza a la película, embuída de un fino sentido del humor, le da un toque especial que la distancia de cualquier otra película y la hace extraordinariamente atrayente ya desde el principio. Una suerte de "road-movie" o, más bien deberíamos hablar de "walk-movie", en la que los personajes van mostrándonos su interior y va desarrollándose su extraña relación a medida que van paseando por Tokio. Alrededor se desarrollan otras historias y van apareciendo variopintos personajes igualmente excéntricos.

Esta historia, sin embargo, nunca funcionaría sin los actores adecuados, y aquí tanto Joe Idagiri ("Dream", "In the pool") como Tomokazu Miura ("El sabor del té") están perfectos, bordan sus personajes y conforman una extraña pareja que no deja de sorprendernos durante todo el metraje. Además el resto de secundarios están a la altura.

Una excelente película, extraña, original, sorprendente y con momentos realmente divertidos, pero con un trasfondo muy humano, donde lo realmente importante de la película son las relaciones entre las personas. Sobresaliente.

Wicked city (1987)

2009-03-02T20:55:00.002+01:00

El cine de animación japonés es extraordinariamente rico y variado, con numerosos autores de enorme brillantez y capaces de crear productos de estilos radicalmente distintos, encontrándonos ejemplos tan representativos como Miyazaki ("Mi vecino Totoro"), Satoshi Kon ("Perfect blue"), Katsuhiro Otomo ("Akira"), Mamoru Oshii ("Ghost in the shell") o Yoshiaki Kawajiri, quizá menos conocido, pero autor de obras tan importantes como "Ninja scroll" o "Vampire hunter D".

Existen dos mundos paralelos y conectados, el de los humanos y el de los demonios. Está a punto de firmarse un tratado de paz entre ambos, pero no todos los demonios están de acuerdo en mantener esa paz y harán lo necesario para impedir la firma de ese tratado.

Si algo no se le puede negar al anime japonés, es su extraordinaria imaginación, con recreación de mundos futuristas o fantásticos con la naturalidad como si se tratase de nuestro mundo ordinario. Una película muy brillante en el aspecto técnico (si bien con las limitaciones de una producción de hace más de veinte años) y con un argumento muy creativo, que no pierde intensidad en ningún momento. Al contrario, a medida que avanza la trama, el espectador se va introduciendo más en la historia y la relación entre los personajes, permitiendo que la perplejidad inicial se transforme en interés creciente hacia la película.

Es evidente que este tipo tipo de películas están creadas para un público adulto, pero en ésta quizá se abusa de las escenas de sexo, muy explícitas y en ocasiones algo forzadas dentro de la propia historia. Tampoco falta violencia, pero todo muy a tono con el estilo que marca la película ya desde el principio. En cualquier caso es el camino que ha alegido su director y no resta interés al resultado final de la cinta.

Una excelente muestra del anime japonés, no se trata de una obra maestra, pero es interesante y una buena alternativa para conocer algo más que los clásicos más famosos del género de animación.

Lost. Indulgence (2008)

2009-03-01T18:10:00.002+01:00

El todavía poco conocido Zhang Yibai ("Curiosity kills the cat", "The longest night in Shanghai") se confirma como uno de los directores más prometedores del nuevo cine chino, ofreciéndonos una de las mejores películas del año en aquel país.

Un taxi cae al mar, desapareciendo el conductor en el accidente y resultando herida en una pierna una joven prostituta que viajaba en el taxi. La esposa del taxista, en parte por lástima, en parte por sentimiento de culpa, acoge a la accidentada en su casa, donde vive con su hijo adolescente.

Resulta fascinante como de forma tan simple, con tan pocos elementos, se puede tejer una película basada exclusivamente en las relaciones humanas, tratadas de forma magistral y con una intensidad que engancha al espectador desde el principio. Pequeñas historias y vivencias de los tres personajes, marcadas por la pérdida de otro personaje cuya relación previa con ellos marca también en gran medida la dirección que va tomando la película.

Impecable factura técnica y unos actores sencillamente sensacionales, desde el conocido Eric Tsang ("Metade fumaca", "Infernal affairs"), cuya presencia pasa por ser algo más que testimonial a pesar de ser de solo unos minutos, a una impresionante Karen Mok ("Fallen angels") en el mejor papel de toda su carrera.

Una película sencilla, sobre las relaciones humanas, que sugiere más de lo que muestra, de esas que hacen atender y pensar al espectador, algo tan importante y, sin embargo, tan poco común en el cine actual.

Touching the void (2003)

2009-02-27T16:20:00.002+01:00

Una actividad tan peligrosa y espectacular como el montañismo, por fuerza debe ser una gran fuente de inspiración para el cine. Así, encontramos películas sobre este mundo dentro de multitud de géneros, como la realista "Grito de piedra" de Werner Herzog, la entretenida "Licencia para matar" -una de espías con Clint Eastwood-, la casi circense "Límite vertical" -tan espectacular como fantasiosa-, o la acción de "Máximo riesgo" -Stallone en estado puro-. En 2003, Kevin McDonald ("El último rey de Escocia"), lleva a la pantalla esta aclamada producción.

Dos jóvenes montañeros, intentan realizar una peligrosa ascensión en los Andes, nunca antes realizada. Pero su dificultad y las condiciones adversas provocan un grave accidente de uno de ellos, que se rompe una pierna, por lo que el descenso se convierte en algo poco menos que imposible.

Podemos definir la cinta como espectacular. Filmada como un auténtico documental, alterna a los verdaderos protagonistas de la aventura comentando su experiencia en un estudio, con escenas rodadas en alta montaña -aquí sí por actores-. Durantes las escenas en alta montaña, conocemos lo que piensan los protagonistas mediante una voz "en off" que nos lo va relatando, con lo que los diálogos como tal son casi inexistentes (algo lógico, pues en las condiciones de esfuerzo, altitud y climatología a que se ven sometidos, resulta poco menos que imposible hablar, algo que otras películas no respetan), lo que da más realismo y verosimilitud a la cinta.

Increíble la fotografía, con paisajes maravillosos, fabulosas vistas aéreas de un entorno privilegiado, y escenas de escalada muy bien rodadas, para contarnos una historia de superación humana, con el añadido de que al tratarse de una experiencia real, aumenta la sensación de tensión y emoción en el espectador y la empatía hacia sus protagonistas. Épica es la palabra que mejor podría definir su aventura, una cinta que demuestra que la realidad puede superara a la ficción.

Si te gusta el montañismo, si te gusta el legendario programa "Al filo de lo imposible" o sencillamente si te gusta el cine de aventuras, esta es una excelente película para disfrutarla. Y si es en pantalla grande, muchísimo mejor.

Ip Man (2008)

2009-02-25T19:21:00.002+01:00

Esperadísima película, biopic sobre la vida de uno de los grandes maestros chinos de las artes marciales y que a la postre sería maestro del famoso Bruce Lee, siguiendo así la estela de esa otra gran película "Fearless" (Ronnie Yu, 2006), protagonizada por Jet Li, basada en la vida de Huo Yuanhia, otro de los mitos de las artes marciales chinas.

El protagonista vive una tranquila existencia junto a sus esposa y su hijo en su próspera ciudad natal, donde es un respetado ciudadano, admirado por su profundo conocimiento de las artes marciales. Pero esta vida de calma y sosiego se rompe cuando se produce la invasión de China por los japoneses.

Será más o menos cercana a lo que fuera la realidad, pero de lo que no cabe duda es de que resulta visualmente espectacular. La cuarta colaboración Wilson Yip-Donnie Yen ("Flashpoint", "Dragon Tiger Gate", "S.P.L.") no defrauda, con unas coreografías de artes marciales absolutamente impresionantes, donde se ve el gran trabajo de Sammo Hung. Alguna de esas escenas pasará a la posteridad, como esa en que se enfrenta nada menos que a diez luchadores japoneses en combate desigual: sin palabras. Por lo demás, buena ambientación de la época, correcto trabajo de los secundarios -donde destaca el siempre eficaz Simon Yam- y una historia realmente entretenida.

Imprescindible película para los amantes de las artes marciales, con un Donnie Yen en estado de gracia. Imposible quedar defraudado con películas como ésta.

No te muevas (2004)

2009-02-23T16:46:00.004+01:00

Felicidades a la madrileña Penélope Cruz por su merecido Oscar, y es que aún habiendo recibido premios de todos los colores en su ya dilatada carrera, y de lo discutibles que puedan ser los premios de la academia norteamericana -al menos para mí lo son-, también es cierto que el prestigio y el aura de haberlo ganado no lo iguala ningún otro premio. Así que aprovecho para repasar uno de sus mejores trabajos interpretativos, el de Italia en la película coprotagonizada con otro de los más grandes intérpretes del panorama europeo actual, Sergio Castellitto, en el que fué el segundo trabajo como director del italiano.

Una adolescente sufre un accidente de moto, siendo trasladada al hospital, en estado de extrema gravedad. En el mismo hospital trabaja su padre, un prestigioso cirujano, que comienza a recordar secretos de un oscuro pasado que él creía haber dejado muy atrás.

Ante todo se trata de una que película dura, terrible, desgarradora, pero a la vez vigorosa, llena de fuerza dramática y con coraje para tratar de cara temas tremendamente espinosos como la violación, el adulterio, el aborto y varios otros. Se le ha criticado a esta película que pierde fuerza respecto a la novela en que está basada -por cierto, escrita por la propia esposa del director- pero eso es algo que no estoy en condiciones de juzgar.

Pero el punto fuerte, el epicentro absoluto de la película es ese personaje interpretado maravillosamente por nuestra actriz, uno de los mejores trabajos de toda su carrera, un personaje desvalido, miserable, desgraciado, superado por la adversidad y la pobreza que la rodean. Convertida en el auténtico motor de la historia, su belleza, enmascarada por una imagen sucia, triste y desaliñada, queda en un segundo plano para mostrar un personaje interiormente también cargado de bondad y belleza y que realmente llega a conmover. Además, bien secundada por Castellitto y por Claudia Gerini, que cierra un interesante triángulo.

Una película intensa, sórdida, por momentos oscura, pero cargada de sentimientos y que sin duda merece la pena ver, más allá incluso del fascinante trabajo de nuestra actriz.

Wonderful town (2007)

2009-02-22T16:20:00.003+01:00

Ya comenté en cierta ocasión el interés que está generando el nuevo cine tailandés, del que espero mucho en los próximos años. Buena prueba de ello es esta película, el debut en el largometraje de su director, Aditya Assarat, cinta que está obteniendo un notable éxito en festivales internacionales.

Un arquitecto de Bangkok se traslada a un pequeño pueblo de la costa del sur de Tailandia, tres años antes arrasado por el Tsunami, para dirigir la construcción de un hotel. Alojado en el único hotel que sobrevivió a la catástrofe, no tardará en enamorarse de su propietaria.

Rodada con pocos mimbres, no en vano se trata de la ópera prima del director y los intérpretes son actores no profesionales, pero se trata de una película bien rodada, quizá en exceso contemplativa, pero lo suficientemente intensa como para trasmitir sensaciones y despertar el interés por ella. Una historia de amor desde una óptica de melancolía, de tristeza, donde el entorno es un personaje más, de inmensa belleza natural pero que no puede quitarse el halo de la tragedia que asoló el lugar solo unos años antes. Esta sensación de cierta desesperanza se potencia por el contenido de esos silencios que cobran más importancia que la propia banda sonora. Una desesperanza que solo vence una triste historia de amor que surge con naturalidad y que se nos muestra en cierto modo como el oasis en medio del desierto.

Una película para ver con calma, sin prisa, disfrutando de sus silencios y de sus imágenes, en algunos momentos casi hipnóticas, dejándose llevar por la belleza de un entorno que invita precisamente a una historia de amor.

The beast stalker (2008)

2009-02-18T17:39:00.002+01:00

Sorprendente joyita del nuevo cine de acción Hongkonés. Dante Lam, especialista del género, que ya dirigió películas como "Beast cops", "Runaway" o "The twins effect", nos trae una cinta trepidante, repleta de acción y momentos de tensión inolvidables, que nada tiene que envidiar a algunos clásicos del thriller policíaco.

Durante una persecución policial, un joven policía mata accidentalmente a una niña. Meses más tarde, atormentado por los remordimientos, encuentra una vía de redención cuando debe salvar la vida de la hermana de aquella niña, que ha sido secuestrada por un peligrosísimo asesino.

Brutal película, donde el espectador no descansa un momento, cargada de escenas de acción realmente memorables, donde destacan el intenso tramo final y, sobre todo, la espectacular persecución del inicio, con una accidente automovilístico -que a la postre es el centro sobre el que gira toda la trama de la película- rodado de forma impecable y magistral, en planos tan cortos que el espectador vive literalmente la escena.

El otro punto fuerte es el duelo interpretativo entre Nicholas Tse ("Metade fumaca", "New police story", "Dragon Tiger Gate", "Invisible target", "The promise") y Nick Cheung ("Breaking news", "Election", "Exiled", "Runaway"), que bordan sus papeles como policía y secuestrador respectivamente, desarrollando ambos unos personajes repletos de luces y sombras, llenos de matices y de motivaciones que los alejan de los estereotipos de héroe y villano y que los hacen realmente interesantes para el espectador.

Una película realmente impresionante, espectacular y que no tardará en convertirse en un clásico de la acción hongkonesa.

Deseando amar (2000)

2009-02-16T19:51:00.004+01:00

No me voy a andar con rodeos: estamos ante, probablemente, una de las mejores películas de todos los tiempos y, en mi opinión, la obra maestra absoluta de Wong Kar Wai, para mí superando a otras cintas fascinantes de este autor como "Fallen angels", "Days of being wild", "Chungking express", "My blueberry nights" o la propia "2046" -que viene a ser una especie de continuación de esta-.

Los protagonistas, un periodista y la secretaria de una empresa de exportaciones, se mudan a un edificio de Hong Kong junto a sus respectivos cónyuges. Allí se conocen y, como sus respectivas parejas pasan mucho tiempo fuera, se hacen amigos y van compartiendo cada vez más tiempo juntos.

Alguien definió esta película como "la historia de amor más triste del mundo", pero lo que WKW nos muestra es una historia tanto de amor como de desamor, y lo hace con sensibilidad, exquisitez, inteligencia y sobre todo gran belleza, que hacen esta película única y maravillosa. Maravillosos están los actores, Maggie Cheung y Tony Leung, conectando de forma casi mágica entre ellos y con los espectadores, capaces de expresarlo todo con un simple gesto, un movimiento o una mirada y sobre los que recae absolutamente todo el peso de una película que se basa más en insinuar que en mostrar.

La fotografía es deslumbrante, la banda sonora absolutamente maravillosa, siendo poco menos que es un personaje más de la película, y la riqueza del filme a través de los pequeños detalles, absolutamente inimaginable.

Ni una palabra más sobre la película, siempre se dijo que una imagen vale más que mil palabras, y aquí cada imagen, cada momento de la película valen su peso en oro. Cine con mayúsculas.

El salario del miedo (1953)

2009-02-13T20:25:00.002+01:00

Aunque el director francés Henri-Georges Clouzot sea conocido sobre todo por "Las diabólicas", lo cierto es que para muchos es "El salario del miedo" su mejor película, una obra maestra de la tensión y el suspense, galardonada entre otras en los premios BAFTA, en Berlín y en Cannes.

En un perdido lugar de sudamérica, viven un grupo de desplazados de origen europeo, que malviven como pueden. Un día se les presenta la oportunidad de trabajar para una importante multinacional americana del petróleo, pero la misión consistirá nada menos que en el transporte de un peligroso cargamento de nitroglicerina a través del agreste país.

Después de un inicio de la película titubeante, donde nos presentan a los personajes, su situación y el entorno en el que intentan sobrevivir, se desata un torbellino de tensión, de emociones fuertes y de momentos auténticamente memorables durante el trasporte de tan peligroso cargamento. Algo tan simple como la conducción de unos camiones mantiene en vilo al espectador durante casi el resto de la película, consiguiendo poco menos que cortarle la respiración con tan solo pequeños detalles. La maestría con que Clouzot juega con esos detalles es lo que eleva esta película a la categoría de clásico.

El acertado tono dado por su director a la película, más cercano al drama que a la aventura o al cine de acción, un tono trágico y fatalista, que no hace sino potenciar el interés hacia la acción, convirtiéndola en una película seria y en la que podemos apreciar al trasluz un cierto aire de crítica social. Un tono pesimista intensificado por la excelente fotografía en blanco y negro, una magnífica banda sonora y por el buen trabajo de su protagonista, Yves Montand.

Una película absolutamente impactante, impresionante, soberbia, una auténtico clásico de visionado imprescindible.